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【ACOOPerson】藝術總監與藝團的基本功：張可堅談中英劇團與「一隅微光」（下）
｜劇季背後的選擇與思考 一個劇季的劇目是怎樣被選出來的？ 對觀眾來說，它可能只是三張海報、三個節目名、三次買票決定。但對藝術總監來說，劇季不是把幾齣戲排在一起，而是一次選擇：今年，劇團想讓觀眾看見甚麼？又想和他們建立起怎樣的連結？ 張可堅，更多人叫他堅叔，如今是中英劇團藝術總監。中英劇團成立於一九七九年，是香港歷史悠久的專業劇團之一，長年製作舞台演出，也發展教育劇場、學校巡演、社區及外展項目。對一個劇團來說，基本功不只是完成一齣戲，而是長時間建立自己的劇團性格：它如何選擇作品，如何面對觀眾，如何在不同年代裡仍然知道自己為何要做劇場。 採訪：Ines @ines.tsui 設計：Lily ｜劇團的基本功，是把作品接回觀眾身邊 若要理解堅叔今日如何看中英，也需要回看這個劇團一路以來的個性。中英早年並不是只把外國劇本搬上舞台，而是不斷嘗試把戲劇放回香港語境裡。 堅叔記得，中英並非一開初就有著大量觀眾的。有次演希臘劇，他站在大會堂舞台上，望出去只有二三十個觀眾，甚至可以在台上數著丁零的人頭。那時「香港觀眾以為中英做的是英文戲，外國觀眾又以為他們做的是廣東話戲，兩邊都未必知道這個劇團到底是在做甚麼」。 及後便來到了一九八五年的一部劇《我係香港人》。那是中英早期很重要的作品，從香港歷史與身份出發，回應八十年代香港前途問題下的社會氣氛。《我係香港人》有很多歷史事實，也很活潑。演出不是傳統舞台，觀眾圍著演員坐，連小學生、中學生都很喜歡。作品後來大受歡迎，演出超過百場，還曾到澳門、新加坡、澳洲等地演出，這對於當時的劇壇而言無疑是一場壯舉。對他來說，這齣戲也令更多人開始知道：原來中英不是只做英文戲，也可以用劇場回應香港人自己的處境。 到一九八六年，中英在香港藝術節演出《元宵》。這齣戲由莎士比亞《第十二夜》改編而成，把原作放進唐代背景，並以詩詞歌賦、文雅與粗鄙並置的語言層次，對應莎士比亞原作裡不同人物的說話方式。堅叔指那時很少人這樣處理外國經典，因此在香港劇界引起很大迴響。 這幾個片段，放在今日回看，便不只是劇團歷史裡的成功案例。從大會堂裡只有二三十個觀眾，到《我係香港人》讓更多人認識中英，再到《元宵》把莎士比亞轉化成觀眾能夠感覺到的中文語境，中英的劇團性格也逐漸清楚：戲劇不只是他人的故事，而要回到觀眾聽得明、能共感的位置。 對於堅叔而言，最後的目的，是希望觀眾離開劇院時，可以帶著一個問題：「這齣戲跟我有甚麼關係？」 ｜「一隅微光」不是一開始就有的名字 中英第四十七劇季以「一隅微光」為題。這個名字指向的，不是宏大的光，而是在角落裡的微光，是那些平日容易被忽略、被遮蔽的情緒與人物狀態。把「閃亮燈射到最細微的一點」，讓人看得更清楚，也讓觀眾有機會停下來，重新注視平日那些未被理解、重視的部分。 「我不太喜歡追逐轉瞬即逝的題材」。新聞、潮流、即時議題當然有它們的力量，但堅叔更關心那些比較恆常，無論在任何時代都適用的命題。像《十二怒漢》是上世紀五十年代的劇本，講述十二名陪審員在密室裡討論一宗少年弒父案，當大部分人都認定被告有罪時，卻有一人堅持重新檢視證據，迫使眾人面對自己的偏見與判斷；《唐吉訶德》則是更久以前的故事，寫一個沉迷騎士小說的老人把自己當成遊俠騎士，執意追尋理想與正義，即使被旁人視為荒唐可笑也不放棄信念。 堅叔喜歡這些作品，正因為它們不是只回應一時一地的事件，而是持續提出問題：人如何判斷別人？如何面對偏見？如何相信一個未必會實現的理想？這些問題，也回到他作為藝術總監的選擇：作品不一定要追逐最新的題目，但要有足夠長久的生命力。 ｜往角落裡注視 今季三個主舞台作品，正好從不同入口回到堅叔關心的問題。 《代父重婚》是喜鬧劇，故事講述單親家庭長大的成桂賢與母親關係不和，意外穿越回父親身上，遇上父母大喜之日；堅叔談起這齣戲時，不是先談笑位，而是談母子關係。他問：「一個兒子這麼不喜歡母親，但他有沒有真正了解過她？」他說，很多時候，人被「表徵」遮掩，只停留在情緒上的反射，不會再問為甚麼。放在《代父重婚》裡，這個問題便落在一段最親近、也最容易被誤解的關係上。兒子看見的是母親今日的樣子，卻未必知道她如何走到今天。 《邊城》改編自沈從文的經典小說，少女翠翠在川湘交界的小鎮裡經歷愛情、錯過、離別和等待。這不只是愛情故事，而是一些在日子間流淌的愧疚、希冀和懇切。 到《巴托比》，問題則走到另一個位置：一個辦公室職員由一句「我寧願不」開始，逐漸拒絕工作、離開辦公室，甚至拒絕進食。這個作品觸動堅叔的，是「雖然社會好像很進步，但我們到底有多了解一個人？」他曾和編劇、導演討論巴托比的背景故事：「他遇到過甚麼事，才會變成這樣？」這些背景未必會全部呈現在觀眾眼前，甚至觀眾未必會知道，但演員和創作者要知道。 三齣作品類型不同，但都不是只停在故事表面，而是讓觀眾在母子關係、等待與拒絕之中，再問一次：「我們到底有沒有真正理解過一個人？」 ｜不是答案，而是入口 作為藝術總監，堅叔要處理的，正是這些作品如何被放在同一個劇季裡。作品要容易入口，不把觀眾拒諸門外；但進入之後，也要留下問題，讓觀眾離開劇院時仍然想起：「這齣戲跟我有甚麼關係？」 如果說演員的基本功，是不急於把一個人定型；那麼藝術總監與藝團的基本功，也許就是替觀眾找到入口，讓他們在不同作品裡，重新看見那些還未被理解的人。 In ACOO, you…
【ACOOPerson】演員如何練習看見人：張可堅談劇場人的基本功（上）
｜走過近五十載的劇場人 張可堅，更多人叫他堅叔。若要用一個身份介紹他，反而難以三言兩語交代。他是演員，也是導演；翻譯過劇本，監製過製作，做過藝術行政，如今是中英劇團藝術總監。從七十年代末第一次走上舞台，到八十年代加入中英劇團，再到今日帶領一個歷史悠久的專業劇團，他的劇場路，幾乎走過了香港話劇發展的幾個重要轉角。 但堅叔的劇場路，起點帶點偶然。中六那年，他因同學邀約，第一次走進新光戲院看舞台劇。後來，他到電視台參加演戲比賽，做過音樂節目片段，也拍過電視劇《狂潮》。一九七七年，香港話劇團成立，當時還沒有全職演員，劇團從申請者之中挑選演員參與演出。堅叔被麥秋選中，演出桑頓・懷爾德的《大難不死》，飾演兒子一角。 幾年之後，他從浸會大學英文系畢業，本來已考到政府工，最後卻加入中英劇團。後來，他也曾離開全職劇場，在廣告、活動製作、大學行政、書籍銷售等不同工作之間輾轉。這些經歷令他不像只從單一學院系統裡長成的劇場人。他讀文學出身，也在不同行業裡看過人如何工作、溝通、妥協和相處。也許正因如此，當他談演員的基本功時，談的不是一套封閉的表演技巧，而是一個人如何理解世界，如何理解另一個人。 那麼對於這個走過近五十載的劇場人，到底甚麼才是他認為的演員基本功？ 採訪：Ines @ines.tsui 設計：Lily 這個問題放在堅叔身上，特別有意思。因為他不是從學院系統出發的一代演員。那時香港還沒有演藝學院，一九八二年加入中英後，他遇上的也不是完整的學院訓練。中英劇團的英國演員早上會和本地演員做工作坊，之後便分成兩組巡迴演出：英國演員到學校做英文戲，本地演員則做廣東話戲。幼稚園、中小學、十八區公園、商場，都成為他練習演員基本功的地方。 以前不少演出場地設備也很樸素，基本上只有一塊地，連麥克風也沒有，所以演員聲量必須要夠。觀眾不是買票坐定定入場，而是在公園裡經過，喜歡就停下來站著看，不喜歡便走開，於是更考驗演員的功力。堅叔記得，每做完一齣戲，他便聲嘶得喉嚨痛，要去看醫生。 有次演兒童劇，堅叔扮演一隻獨角獸，頭上的角忽然不知掉到哪裡去。因為近視看不清也摸不著，他索性即興問小朋友：「我的角去了哪裡？」一個突發失誤，卻演變成和觀眾重新連接互動的方法。而這種訓練不是在課室裡學回來的，而是在現場裡逼著訓練出來的。 ｜演戲不是演戲 問到演員訓練，堅叔沒有先談及聲線、身體，或任何耳熟能詳的表演技巧。 他篤定地說：「演戲不是演戲，你不要想著演戲。」演員不應只想著自己正在演一個角色，而是要問：如果我在這個人的狀態裡，我會怎樣？ 這句話聽來抽象，卻幾乎概括了他理解演員這種存在的方式。對這位經驗充沛的劇場人而言，演員的基本功，最終不是某一套技巧，而是認真地生活：有沒有感受，有沒有共情，有沒有在日常之中練習理解自己與他人。 在堅叔看來，演員其實不是單純「扮演」另一個人。無論如何，演員都會帶著自己的生命經驗、記憶、感受與限制進入角色。關鍵不在於把自己完全變成別人，而是借自己作為入口，進入另一個人的狀態。若我是他，若我經歷他的事，若我有他的處境和限制，我會怎樣？ 他談到自己於二〇二二年執導的中英劇團作品《辯護人》時，便用了類似的方式理解人物。這部由郭永康編劇的作品，改編自台灣捷運無差別殺人事件。案件本身看似早有結論：人是他殺的，還有甚麼好辯？但堅叔感興趣的，正是這個「為甚麼」。「為甚麼一位律師仍願意為他辯護？為甚麼一個年輕人會走到那一步？」他記得犯人曾說，如果可以早點認識那位律師就好了。這句話令他想到：「一個人內心到底有多孤獨？他是否曾經有機會被真正理解？」戲劇不是為了替誰開脫，而是在最難被理解的人身上，仍然多問一句：「如果我是他，如果我在他的世界裡，我會怎樣？」 當然，堅叔並沒有否定技術。他說，文字理解、聲線控制、身體的靈活度，都是演員的基本功。身體和聲音是演員的器具，器具要能用，但更多卻是要講求一種理解。演員面對每個角色，都是另一種人生與處境。當他願意多問一句、多想一步，便能看見一個人行為背後的原因與掙扎。 對堅叔而言，同理心正是演員最重要的基本功。 In ACOO, you can see #ACOOPerson
【專訪《代父重婚》團隊】載譽歸來，由黑盒搬上大劇院！荒誕穿越劇，笑中談親情
如果你有機會穿越，你會想去哪個時代？ 《代父重婚》的主角，沒有選擇的餘地。一日，他突然得以回到過去變成自己的父親，就在父母大喜之日，他要代父成婚？代父出征嗎？過去的每個抉擇都牽動着未來，若不娶妻（也是自己的母親），若不行房，自己就可能從世界上消失。 劇情表面荒誕惹笑，骨子裡卻在談親情，講主角如何穿越時空，修補與母親之間那道裂痕。灰色幽默之中，藏着幾分溫情，觀眾笑着笑着，也被感動到。《代父重婚》去年在葵青劇院黑盒劇場以試驗形式演出，反應熱烈。今年八月，將搬到香港大會堂劇院，正式登上主舞台演出。 訪問當日，導演盧智燊聯同演員蔡蕙琪、莫珏邦、文愷霖一同回味排練的溫馨點滴。談及初看劇本時，他早已篤定這個故事一定得！「這個劇本很有意思，我導過《解憂雜貨店》，對我來說也是個很有意思的劇本，而《代父重婚》在我心中的排名跟它不相伯仲。」 文字：Godric @_godricleung 攝影：Eddie @eddielok814 設計：ZH @zzzzzzzih_ ｜一早注定要「大」演 「一定得」不只是導演的直覺，更是一讀劇本便種下的確信。盧智燊憶述初次細閱編劇許晉邦的故事，已被深深震撼，原因有三。第一，劇情張力不是靠角色「口講」，而是由事件環環緊扣自然而生。第二，穿越時空的架構縝密嚴謹，第一稿已幾乎找不到漏洞。第三，雖然故事好笑，但不流於胡鬧，反而觸及每個年輕人與原生家庭之間難以言說的矛盾，那些說不清、道不明的隔閡。「好笑，有訊息，事件是發生的，有這三個元素，我就覺得一定成功。」 演出不足一年便便火速「重演」，是票房驅使？盧智燊卻直言，一切早在計劃之內。在他心底裏，黑盒那次演出不過是一場很認真的「試驗」，他早已籌謀，要將《代父重婚》搬上更大的舞台。「這個戲是喜劇，某些場面更是接近鬧劇，所以八至九位演員的能量需要很高。而且故事的布景有天台與客廳，又要不斷來回穿越九十年代及現代，你會想像到這一齣戲適合一個比較大的空間，去容納這些這麼大的能量。」 ｜戲裡戲外，說的都是家人 《代父重婚》的核心，說到底，是家人。去年演出後，戲中飾演媽媽的文愷霖（Bubbles）收到觀眾的反饋，對方指自己看完戲後，也主動跟母親修補關係。「我覺得這件事很有意義，也沒有想過這齣戲可以做到這個效果。」飾演姑姐的蔡蕙琪（Kay）也格外在意觀眾對這齣戲的感受，因為《代父重婚》談及家人，是每個人都能產生共鳴的主題。「甚至有一場演出，我刻意留意第一、二行的觀眾，看他們有甚麼反應，會不會抹眼淚。」 劇情感動的，不只是台下的觀眾，還有台上的演員。Bubbles 坦言演了《代父重婚》，「我好像認識了多一些我媽媽是一個怎樣的人。」現實中的自己與戲中主角成桂賢如出一轍，跟家人的關係一向疏離。劇本要求她同時演繹年輕與年長兩個階段的媽媽，起初難以代入，卻在反覆排練之中，不知不覺走進了角色，也走進了自己母親的內心世界，找到與母親重新靠近的起點。 飾演主角好友小松的莫珏邦（Michael）起初卻猶豫要不要邀請家人來看。「這套戲我一開始很怕叫家人來看，因為第一句已經是粗口，第四句、第五句……粗口出現的次數是PG 家長指引的了。」然而，他記得在中英劇團最後一次內部彩排，去到故事結尾，大家都默默被感動。「這套戲可能比較粗俗地踎，但到結局扭轉的時候，感受到排練室內大家的呼吸，我就覺得這套戲很值得分享給家人。」作為演員，被故事感動是一回事，能與觀眾、抑或家人同呼同吸，才最珍貴。 ｜排練，不只是上班 演出能夠感動人心，背後的排練過程其實也滿載溫馨。三位演員也不約而同提起排練前，他們很喜歡俗稱 Check-in 的「圍圈圈傾心事」環節。手拖住手，閒聊一下，起初不過是關心一下大家近況，後來逐漸深入，聊起自己為了甚麼演戲、為甚麼要讀香港演藝學院。這不只為了暖場，不只為了情緒價值，而是讓演員們真實地認識彼此。盧智燊說：「大家天天都見，但又有沒有真正認識過。一個這麼有溫度的戲，但如果演員們都不connect的話，就只是演戲。我希望他們，包括我，是有溫度的。」 不只談心，導演也帶着演員一起玩。「要打波、要玩board game、要玩eye killer……在我導演下的作品，無論有多急，這些熱身都很重要的。」就算排練日程有多繁忙，也要花一兩個小時去玩。「我很想他們不要當排戲是上班，你是演員來的，你要玩！那個玩，是有意義的玩，我們一齊玩，去講一件好有意義的事。」 ｜外闖過後，再聚首 是次演出，對Kay 及Bubbles 來說都別有意義。兩位分別在去年初夏及今年年初離開中英劇團，成為自由身演員。今年，Kay…
【中英劇團｜第一屆香港應用劇場節】從參與到改變，劇場如何走進社區與生活？
【你會否對陌生人的故事感到好奇？】 耳機播着陌生人的錄音，指示你在劇場行動。當你打開那潘朵拉的盒子，你會看見、聽見和感受催人淚下的災難片段，或是平平無奇的生活日常……但你總能找到扣人心弦的那塊碎片，然後共鳴和自省——這就是「應用劇場」的魅力。 「應用劇場會讓人思考和參與，你經歷過、深刻體會過，才會受觸動，我常說戲劇的力量在於容易觸動人，你受觸動才會有感覺，有感覺才會思考，有思考才有機會改變。」這是中英劇團教育及外展部主管黃振輝2006年參與香港演藝學院戲劇學院副教授及戲劇學科/應用劇場系主任黃婉萍（Estella）執導的中英戲劇教育海上遊《叛艦記》後的感受。 過去的11月，中英劇團首辦「香港應用劇場節」，中英特別設計了四個重點活動，包括「感官敍事劇場」《一刻見》、「好奇習作：議題劇場工作室」《未來三平方》、「應用戲劇研討會」及「公共空間 X 劇場遊戲」《一場沒有輸贏的比賽》，冀加深大眾對應用劇場的了解，振輝說這活動「主要不是表演性質，而是大家有機會參與，應用劇場其中一個主要功能就是讓社區人士參與、共建和改變。」 文字：查理 @men_mory 攝影：hct 設計：ZH @zzzzzzzih_ ｜觀眾與演員人生故事的「對倒」 「應用劇場」的定義廣泛，其核心在於讓劇作在傳統劇場以外的地方，與觀眾直接且有深度地互動，讓觀眾身臨其境地感受特定事件或議題，從而影響其意識、態度和行為。 走進葵青劇院排演室，是感官敘事劇場《一刻見》，如抽盲盒般抽選行動路線，依錄音指示完成任務，以及跟空間互動。6個主題和演員陣容，24個真人故事，筆者看的是素人演員李鳳媚的故事—剛好跟振輝一樣。路線起點設置骨牌讓觀眾堆疊，鳳媚在提示錄音中說「生活所有事物都是一點一滴堆砌而成」，但一切有機會在一夕間化為烏有，要推倒重來。 鳳媚遠嫁日本，後來離異，她獨力撫養子女，每朝早起煮三色便當讓他們帶飯上學，為生計兼差三份工。振輝說他當時聽到這裏，忽爾感概母愛是「無私奉獻」，而那份愛不應被當成理所當然。戴着深入耳窩的耳機，鳳媚的自白從耳窩傳到心窩，正如振輝所言，觀眾那刻彷彿進入了鳳媚的視角。 2011年3月11日日本發生大地震，鳳媚一家身陷福島，她曾萌生「就這樣死去吧」的念頭，但想起一雙子女，她又焦急不已。災後獲救返港，子女卻想留日念書，鳳媚自此與他們分隔兩地，成為彼此最熟悉的「陌生人」。在劇場路線的最後一站，筆者與鳳媚相見，問她怎麼從災難中撐過來，她說她當時在清潔街道途中，偶然拾到一張紙條，上面寫着類似只要是上天給予的，無論苦與福，都要照單全收的內容。這句話聽上去有種「生而為人，最後也只能這樣」的無力感，卻成為鳳媚走下去的力量。 Estella說觀眾雖然在感官敘事劇場中會進入演員的視覺，但「我們仍是我們」。譬如觀眾除了聽鳳媚自述、看她與子女的舊照，還需要做任務——寫下自己遇過最大的打擊和最想守護的人。Estella形容這過程是觀眾和演員兩個角色，即第一身與第三身人稱的對比，「然後從對比中找到共鳴」，從而獲得啟發、反思，並行動。振輝說感官敘事劇場不止是講故事，還希望大家「有個way out（出路）」。 ｜應用劇場要「應用」 所謂「有個way out」，應用劇場說到底是要適當「應用」。像是應用劇場節另一節目「好奇習作：議題劇場工作室《未來三平方》」，26名編作演員蒐集資料和田野考察，研究與公共空間有關的學術著作，再進行分組報告，經多重討論才轉化成舞台作品。編作演員會扮演學者和市民等角色，藉他們的表演具體呈現艱澀的理論、數據和資料等，引發觀眾與演員對公共空間使用的思辯。表演最後有投票環節，讓觀眾自行決定如何設計公共空間，Estella尤其喜歡這個安排，她說：「我在劇場做了（表態和思考）這件事，能啟發我們離開劇場後在生活上作出改變。」 將冰冷的資料融入劇場，讓觀眾親身感受不同社會議題對他們的影響，「擁有知識也是一種充權，使我們將來不用求其做決定，可以有根據地選擇。」Estella說。振輝回想Estella約20年前任中英劇團教育及外展部主管，曾策劃中英戲劇教育海上遊《叛艦記》，以北角碼頭和船艙作場地，進行環境劇場，他猶記得那時一眾學生代入角色，爭論對錯，反思社會公義的情境。 ｜從應用劇場找到發聲出口 「如果我們只做一名很被動的市民，其實我們很容易會隨波逐流，或者失去自己的聲音，我們要有意識知道我們可以發聲。」Estella希望觀眾別妄自菲薄，振輝說人們的聲音或能引導大家坐言起行。 Estella認為這社會上每個人的故事都值得被珍視—應用劇場節呈現的故事都是始於真人真事。振輝有感近年人們關係疏離，而應用劇場正能拉近彼此的距離，連結人和社區。 應用劇場並非一成不變，也不拘泥於特定呈現模式，振輝說它是因應時代而變，Estella形容這為「responsive openness（回應式開放）」，即視乎社會需要度身訂做劇場體驗。正如第一屆香港應用劇場節的設計也有突破，中英劇團的口述歷史戲劇系列一直具代表性，感官敘事劇場《一刻見》是由口述歷史劇場演化而成，Estella形容應用劇場節是中英的一個「里程碑」。 振輝認為香港人的心靈也需要「有個way out」，他正探索中英劇團未來的應用劇場的方向。「平時我們聽到、看到的，也許事不關己，但不如從應用劇場開始，大家嘗試吹下水，發下夢？」…
【專訪導演盧智燊、演員劉雨寧】中英劇團呈現經典百老匯鬧劇《你個戲壞咗呀！》：在錯誤中堅持演下去的鬧劇人生
人生如戲，但如果這場戲註定「壞咗」，你該如何演下去？ 在這個呼吸都帶著壓力的城市，我們越來越難尋覓一場簡單而純粹的大笑體驗。中英劇團助理藝術總監盧智燊（Edmond）11年前看過一場百老匯鬧劇《The Play That Goes Wrong》——一個關於業餘劇團誓要演好懸疑劇，卻迎來一場從頭錯到尾的演出的劇目。兩小時的劇中，平均10至15秒就已經有一件「出錯笑位」發生。11年後，他決定把這個劇本呈現給香港觀眾。就連演員劉雨寧（Nicole）收到劇本，第一句也大呼「點演呀」！ 劇中的那台戲不斷出錯，但各演員們盡力挽救，堅持把劇目演完演好；映照現實中各位的人生，又何嘗不是這樣？有時候我們總羨慕旁人過得順遂，埋怨自己頭頭碰著黑，時不予我。Edmond這樣詮釋「The Show Must Go On」的精神：「有啲嘢你以為唔得咩？原來你堅持咬緊牙關做啲嘢，你點都會有啲回報。所以人生就係咁，就算幾差，你都要行落去。希望大家睇完呢套劇，笑到橫隔膜都攰，出返去，繼續你嘅生命，咁就足夠啦。」 文字：Heidi 攝影：hct 設計：ZH ｜喜鬧劇起家的中英劇團 聽到「鬧劇」，香港人未必很熟悉，但若然談及周星馳電影中的無厘頭搞笑橋段，例如「蠱惑的槍」，你大概略知一二。盧智燊解釋，鬧劇大多設定了一些很荒謬的處境、事情，而劇中角色面對荒謬的方法，往往也很荒謬，「甚至離開我哋現實生活」。話雖如此，觀眾看到卻不會覺得突兀或抽離，「因為其實當中就係base on生活入面提升荒謬，comment緊『人生就係咁可笑』」。 盧智燊1998年加入中英劇團，至今27年，見證中英以「喜鬧劇」起家，「師兄師姐帶住我哋一齊做喜劇，好想延續呢個傳統」。及至11年前，他在英國觀賞百老匯現存最長壽喜鬧劇《The Play That Goes Wrong》，那時已覺得此劇本很適合中英，「佢裡面嘅笑位，密集程度、令人驚喜嘅程度、嗰種energy都好適合中英。」今年，眼見不少地區都陸續購入劇本版權，也有感劇團此時應該能夠處理相關技術，他遂決定洽談版權，這就是《你個戲壞咗呀！》的起點。 ｜完美地產生「錯誤」 在劇場的世界，要呈現一場完美的演出已不容易，要上演一場「完美的災難」更不容易。每個看似偶然的意外，從道具掉落到台詞錯亂，其實都經過了千錘百鍊。 《你個戲壞咗呀！》講述一個不專業劇團，臨時接演一部1920年代風格的謀殺懸疑劇《夏福山莊園謀殺案》，但演出時，無論演員或後台道具佈景全都出錯。盧智燊解說，這個「錯」分為兩種，分別是角色演出引發的錯誤，或道具錯位的連鎖反應。他又透露，全劇約兩個多小時，幾乎每10至15秒就有一個「錯誤」出現，數數手指，即全劇幾乎有數百個笑位！ 由於不少「錯誤」涉及佈景機關，盧智燊笑說，中英劇團這次「攞咗鉅額去排練」，特地打造幾乎一比一的排練佈景，提早個多月讓台前幕後一同開始密集式排練。例如，牆上的掛飾畫作跌落地、甚至演員跌低等，早一秒晚一秒都會影響笑位，甚至構成演員生命危險。演員故需反覆練習，「我喺中英20幾年，今次幾乎係第一次」。為何要這樣認真？盧智燊一語道破：「鬧劇最難嘅地方，係你如何將一個設計好嘅錯誤，演到好似係第一次發生，有『點解會咁樣嘅？』嘅organic反應。」 而劉雨寧回想起第一次看到偌大的排練佈景，當時的她也不禁「Wow」了一聲。她舉例，角色需要扔一些物件時候，物件的重量、大小都會影響落地的位置，以及對手的反應：「mark曬距離之後，叫我攞一嚿可以代替嘅嘢，不斷不斷喺度練。作為演員我都覺得，呢刻，character都需要放一邊，因為好多嘢都需要技術性練好。」 ｜認真做一個「爛演員」 然而，當技術和恐懼被克服，演員們此時才迎來最深層的挑戰：如何拾起那個被「暫時放一邊」的角色靈魂，即是一個演得不好的業餘演員？ 其中一個讓此劇本搞笑的點，是每個角色們都各自對表演有著荒謬的理解和執著。例如有角色極度渴望掌聲，會在演出中途突然「打破第四面牆」向觀眾鞠躬；又例如劉雨寧飾演的角色叫Sandra，是自戀狂，常覺得自己是「女王級的演員」，認為就算只是業餘劇社，都應該好好展現給觀眾，所以會不理劇情地「展現自己身體」，構成惹人發笑的劇情。這個角色是一個「overacting」的演員，收到劇本時，她心想，應該怎樣演？…
【中英劇團首部拳擊音樂劇《擊不倒的她》】專訪編劇填詞劉兆康、音樂總監盧宜均 用節奏寫出在香港擊倒偏見的旅途
將拳擊擂台搬上劇場舞台，是一種怎麼樣的概念？ 「有日堅叔找我，他說想找我寫一個音樂劇。」音樂總監盧宜均（Anna）回憶這個計劃的起點，原來中英劇團藝術總監張可堅一直醞釀着一個想法：「他想做一個show，是進到劇場看到一個Boxing Ring，講人生的掙扎、奮鬥。」這個構想在Anna心中激起了漣漪，因為她的老友——新晉劇作家劉兆康（Sam）有一個劇本在「袋底」，就是講拳擊。 體育與劇場，看似風馬牛不相及，但在Anna心目中，竟然有共通之處：「無論體育或者藝術，在香港都說不上是社會上最被看重的範圍，但大家都很有心想做好。」兩者揉合再進化，整件事最終或許與劇名有異曲同工之妙——「《擊不倒的她》，說的是一個女生的心路歷程。她如何經歷『不乖』，變成自己想擁有的身分和狀態，覺得自己越來越美，遇到困難可以迎刃而解的狀態。」 訪問：Heidi @heidi.is.strong 攝影：Andrew @andrew_bangchan 設計：Owen @wai.ho.98 ｜與拳擊結緣 談起選擇「拳擊」為故事載體的緣由，Anna自言自己是「奇怪地大力」的女生，喜歡快節奏，所以在六、七年前接觸過泰拳，「拳拳用力出來的一刻，覺得好過癮。」而Sam以前則理解不到拳擊的美，認為這是一項很暴力、很血腥的運動，「第一印象可能是Rocky、史泰龍，要『打爆』才可以獲得金腰帶。」 機緣巧合下，Sam在教授長者A cappella班時認識了一位學員，「以前是亞運拳擊代表，但比賽期間打到頭，腦中風，接着就打不到了。後來他改為教拳，十幾年後再中風，之後沒有再接觸打拳了，反而跟我學A cappella、拍照。」這個學生的故事在Sam腦海落下了種子，成為了角色Sunny的雛形。 Sam和Anna一直在「一舖清唱」恆常合作，不過這個故事一直未有用武之地。直到有一日，Anna突然收到堅叔電話，得知他想要做一個與拳擊有關的音樂劇，大家一拍即合。為了更好地創作故事，Sam再做了不少資料搜集，包括付款觀看鍾培生的拳賽，漸漸對拳擊改觀，「原來裏面很多東西，當你慢慢發掘，你就會找到那種細緻和美。」 ｜以音樂呈現拳拳有力 《擊不倒的她》講述業餘女拳手小卿自小被期許循規蹈矩，面對家人和男友的不理解，仍選擇了挑戰傳統，踏上拳擊之路；前拳手Sunny年輕時是冠軍級選手，在一次比賽中被亦敵亦友的對手打傷至腦中風，自此對拳擊有陰影。與Sunny相遇後，小卿的潛能被激發，她開始在拳擊中找到自我，並勇敢地挑戰束縛她的枷鎖，爭取屬於自己的人生。 傳統音樂劇中，演員們載歌載舞，那麼「拳擊」又該如何呈現？在創作過程中，Sam首先撰寫劇本，並為每一首歌設定大致的段落和內容。然後Anna便根據Sam的劇本框架進行音樂創作。Sam舉例，他在比賽場景中加入了很多對唱，去模擬拳擊的節奏和挑釁的氛圍。Anna補充：「例如選手A和選手B在對打，大家會一人一句，唱的人就是出拳的人，交叉對唱。」再加上飾演觀眾的演員群唱，營造緊張緊湊的感覺。 Anna又發現，拳擊比賽的時候，兩個人大部分時間都不是出拳，而是在「猜」，再迅雷不及掩耳下出拳，「這讓我想到一個音樂上的主題，就是一堆一樣的音，突然有一個高音跳出來，讓觀眾很容易代入緊張，或者等待那一拳何時出現。」填詞用字上，Sam亦有巧思，例如每個主要角色都有代表自己的性格的韻腳，韻腳會隨着角色面對的事情、成長而進化改變。雖然這樣讓填詞時間大大增加兩三倍，但Sam對此感到十分滿意：「觀眾可從歌詞中，看到角色的成長。」 ｜重擊「定型」 在創作《擊不倒的她》的故事時，其中一個Sam想探討的，是「Stereotype」——「這個故事的核心就是關於打破定型，無論是性別、家庭還是社會的定型。」Anna說道。 故事中，小卿打拳、Sunny太太是紋身師傅，丈夫反而是自己的徒弟⋯⋯這一切都是二人刻意打破一些傳統上性別定型的構思。「創作者的行業中，男性比例仍然較高；市面上可能很多演出都是男性主角比較多，而女性的角色可能比較多是輔助形式。這次不如反過來吧！既然有機會寫一個劇本，我希望能推動更多女性角色的發展。我就說主角要是女生，就用她來打破定型。」 另一個「Stereotype」，是有關社會對大眾的期望。飾演女主角小卿的演員劉雨寧Nicole真的做了一場「社會實驗」，問自己母親：「我之後認真去打比賽好嗎？」，母親果真反對。Sam這樣解讀：「拳擊是一種很muscular的活動。父母為何不想女兒去玩，可能只是怕你受傷，變得『沒那麼矜貴』，或者可能是大眾的眼光，如果你走一條（正常的）路，你會順一點。每個人都有自己的那條路，就算親人或者社會如何告訴你這條路是好是壞，但都要你去經歷了，才會發現適合自己才是最好的。」 ｜一起努力打怪獸 做資料搜集期間，Anna曾問一位拳手，香港的拳擊風格是什麼？獲得回覆是「渣，香港根本還未厲害到去發展風格。」Anna認為藝術和體育界都面對很多挑戰。「無論是體育，或者藝術，在香港都說不上是社會上最被看重的。我覺得這兩個範疇的人，大家都很有心想做好。每一代都在進步，但進步的速度，可能相比起某一些多資源的地方要慢一點。」 Sam和Anna常以「寫出一隻怪獸」形容難度高的創作，這次與中英劇團「打怪獸」的經歷，讓二人強烈感受到，大家都很想一起「做好呢件事」，例如演員們常確認自己的唱腔，又自發學拳，讓演出更逼真。Sam亦同意：「有一日，飾演主角小卿的Nicole（劉雨寧）約了我，兩個人，加上DSM，聊了兩個多小時，大家交流對角色的看法。演員們投入了很多，讓角色更真實。我很期待，小卿會變成大家心裏面有多重要的symbol。」 在未擊敗怪獸前，或許我們可以先做一個打不死的戰士。到最後，擊不倒的是妳、是你，也可以是我們。 In ACOO,…
【張達明、劉浩翔專訪】改編92年作品 中英劇團再呈現尋根故事《近鄉途情怯》 ：怯，係我哋以為自己已經好割裂， 但霎那間回望，原來仲有好強烈嘅聯繫
有人窮一生的時間出外探索理想的居住國度，落地生根；有人花一輩子的力氣回到自己的家鄉，落葉歸根。 1991年，有見不少港人當時萌生了移民看法，在中英劇團邀請下，張達明首度撰寫長劇《客鄉途情遠》。這個故事以喜劇手法描寫長子阿德移民加國、幼子阿偉留港發展、父親俊叔回鄉再娶，一家流散於三地。首度自編自導的他，憑此劇勇奪第一屆舞台劇獎最佳編劇及最佳導演。32年後的今日，中英劇團邀請前中英演員、資深劇場人劉浩翔，延續這個「家」的故事——《近鄉途情怯》。於是，兩位創作人宛如進行了隔空30年的時空交流。 在創作時，劉浩翔一直在探問：當我們說「回家」的時候，到底在尋找什麼？劉浩翔這樣為「根」這個字下詮釋：「你以為割裂了一些東西，但當你談到那份愛、那份關係、那份情，原來我跟這裏是分不開的。」正是這種若即若離的距離感，讓「尋根」成為一次讓人既怯懦又勇敢的旅程。雖然有些事情一直變化，但似乎又有某些東西始終如一。 文字：Heidi @heidi.is.strong 攝影：Philip Tung、中英劇團提供 設計：Po @p12_o28 ｜客鄉情遠與近鄉情怯 張達明和劉浩翔，二人均演而優則導/編。張達明形容，在創作《客鄉途情遠》前，多嘗試實驗劇場，「邀請的演員甚至可能完全沒有演出經驗，只是來玩的」，但賣票銷情十分慘淡，「夜晚場得十幾個人；下午場，9個。好可憐嘛！」1992年，中英劇團邀請他創作劇本，「但中英劇團不可以（滯銷），（銷情）要爆的！所以好大壓力！要演員做得好看、文字好、內容有原因。」 而當年，座上客之一的劉浩翔還是香港演藝學院的學生；時至今日，劉浩翔早已離開「娘家」發展，成立了自己的劇團。一年多前，中英劇團藝術總監張可堅及助理藝術總監盧智燊邀請他為中英劇團45周年構思創作一個劇目。醞釀意念期間，他想起了《客鄉途情遠》：「它很有當時中英表演的風格——是很有力量、很幽默，而幽默得來，在達明的文本裏，亦是言之有物。」有見坊間甚少人那幾十年前的劇本改編及延續，「我覺得在藝術層面上很有意思」。 於是，劉浩翔決定改編《客鄉途情遠》，添加上現今時代背景，變成《近鄉途情怯》。張達明憶起首次聽到這個消息深感興奮，亦欣然擔任這次的顧問：「我有時都會想，究竟現在是不是這個時間去做（延續）？有否機會把故事說下去？」 劉浩翔把《客鄉途情遠》濃縮成這次劇本的上半場，下半場的時空則設定在2030年左右，已移民的阿德為前妻回港、在加國成長的兒子Raymond竟想去內地發展。面對現在的時空，3人的「家」洗牌，但依然離散。劉浩翔這樣形容：「我再看回他的作品，然後我跟那個年代的一些香港人的情懷去對話、去神交、去在文字上或劇場上深化。」而張達明亦說：「我只是寫了一個鄉下，現在劇本有兩個，這是很吸引的趨向。」 ｜彼此也在捱 在90年代，來港打拼的老一輩或回鄉尋根，年輕而有能力一代或考慮移民。回想起90年代的移民潮，張達明笑說，當年只有最有錢的一群人才有資格移民：「我第一次搭飛機，是1997年到北京交流，當年還有鞏俐接機。所以你說，當年的我，又怎會想到移民呢？」當年的他，更想探討的是人們面對未來、家庭的變化及分隔兩地的情感：「究竟甚麼是鄉下？鄉下是甚麼的模樣？」 劉浩翔這些日子一直閱讀張達明的劇本，他發現：「張達明描寫的年代很純粹。常說中國是個苦難的民族，那個年代還是艱辛的日子。達明的劇本有一句讓我很動容，是哥哥對弟弟說，我在香港也很辛苦。那種是彼此也在捱的感覺。達明的劇本給了我很大的提醒，希望大家來到，都感受到這些東西。」 時至今日，有人移民、有人回流，人們的身分、情感變得更複雜。劉浩翔希望從《近鄉途情怯》下半場，把這個視覺拉到更遠。他在劇本加入了部分現實生活的新聞，「我的靈感完全來自達明的概念，只不過加入了現在的時代步伐，我們看到很多有趣或荒謬的情況，我們希望可以找到一條出路。」而張達明亦有提醒劉浩翔應該加以強化文本及角色對香港的情懷，例如他發現，劉浩翔把劇本中心放在兒子阿德身上，但張達明認為，阿德的兒子Raymond，反而更能表達三代的聯繫。 最後，故事下半場時空並非在2024年，而是希望大家一同以未來的視覺，更宏觀地看「移民」這回事，「原來這種關係遠到，是世界各地移民了的人」，劉浩翔說。 ｜「根」的意義 「我們是很特別的城市」，劉浩翔說：「我們有殖民過，我們有回歸，我們有不同階段的移民潮。」交錯的歷史，令我們的根更撲朔迷離。 劉浩翔太太及其家人經歷過移民、回流，部分家人再二次移民，他這樣具象地解釋：「在加拿大Richmond，所有的中餐廳都好吃到爆炸，因為當年的（香港）師傅都過去了。但你在香港吃不回那個香港的味道。」最後，無論是太太的回流，抑或外父的回流，劉浩翔都這樣歸納原因：「如果老土一點講，就是發現很愛香港這個地方。原來那份愛，不會因為你移民的時間而失卻。」 《近鄉途情怯》這個劇名，正正道出了這份複雜的情感——怯，不是因為陌生，而是源於那份揮之不去的熟悉，「他們過去，其實也一樣看香港的Youtuber、香港的電視。你的地域改變，但說到你問的這個『根』，就是那個習慣、那個文化、那個喜惡，搣不掉的」。在這次故事，劉浩翔刻意加入了「阿德太太」這個新的角色及視角。那些離開的人、留下的人，以及那些在離與留之間掙扎的人，都在用自己的方式詮釋「根」的意義。 ｜為彼此的劇場之旅「尋根」 張達明形容，撰寫這個劇本後，改變了他往後在劇場的路：「演員出身，玩玩其他東西吧。但我發現，原來可以寫一個這樣的劇本，力量可以這樣大」，他笑著說：「所以之後我轉行寫劇本了，哈哈！」 而於劉浩翔而言，這次或許也是最佳時機：「我今年『入五』，假如你早五年或十年叫我寫這個劇本，我未必夠膽寫。」今次劇目找來了好幾位中英前演員演出，於他而言，這次的尋根有兩重意義：「廣義來講的話，其實在說的是我們香港人；狹義來說，我們的根可能就是中英。」 或許，我們從來都不需要有一間屋、一件實物，才代表自己屬於一個地方。「你覺得屬於，咪屬於囉」，劇中的阿德如是說。 In ACOO, you…
【盧智燊 X 袁浩楊】中英劇團改編百老匯音樂劇《花樣獠牙》重新演繹 當年男配角蛻變導演 一場22年的成長與蛻變
改編自《Little Shop of Horrors》，2002年中英劇團的音樂劇《花樣獠牙》首度公演，好評如潮。故事內容荒誕且誇張至極——憨直小子偶然得到一朵世間罕見的奇花，怎料奇花嗜血，為了養活這朵給予他好運的花，小子一步步踏上了不歸路。盧智燊（Edmond）當年飾演變態牙醫，雖不是主角，但憑此劇勇奪第12屆香港舞台劇獎最佳男配角（喜劇／鬧劇）。對於他而言，這個劇本是他仕途轉捩點。 20年後，Edmond已蛻變成中英劇團助理藝術總監及導演。他提出，不如再次把此劇目搬上舞台？ 重演念頭一起，他已經鎖定了其中一個男主角人選 ——袁浩楊（魚旦）。盧智燊形容，《花樣獠牙》感覺很cyber punk，很漫畫化，「或者我哋叫荷里活B級片，有怪獸、有驚慄、有搞笑……」，角色發揮空間大，但很容易失真。袁浩楊加入中英劇團6、7年，是首次擔正音樂劇男主角。盧智燊覺得，這次他ready了。 於是，這一種子，種出一株長滿獠牙的奇花，以及一個跨越時代的劇本——既是盧智燊的在舞台生涯的紀錄，也見證袁浩楊的自我突破之旅。 文字：Heidi @heidi.is.strong 攝影：Cheryl 設計：Po @p12_o28 ｜盧智燊：從戲劇找自由 演戲「要當真」 盧智燊在1998年加入中英劇團，與當時的導演李鎮洲亦師亦友，深受其啟蒙，「但起初入去嗰3年，通常都係做4、5線角色，但佢無放棄我，不斷推動我。」到了第四年，盧終於獲得了《花樣獠牙》中牙醫史諤仁一角。 牙醫這個角色，不是主角，沒有主線劇情，但卻是構成這部舞台劇「夠癲夠喪」的重要一環。「因為佢係變態，但你又唔可以太變態，因為太變態唔好笑。佢要將自己快樂建築喺別人嘅痛楚同尷尬之上。唔能夠太瘋狂，但又唔能夠太現實。」當年盧智燊為角色自行添加了很多小動作，例如瘋狂的笑聲，「你要喺舞台上搵到嗰種自由」，盧智燊說。 角色的癲喪與過度浮誇，可能只是一線之差。的確，盧智燊當年亦陷入了「風格化」的漩渦。「我記得我只係打一個乞嗤先繼續唱，導演嗌咪，問你可唔可以真啲呀！的確，我哋好容易因為風格化、漫畫化，令到件事假咗。就算風格化都好，入面都要係真。」 得到如此角色，發揮空間甚大，但壓力亦隨之而來。當年李鎮洲給予他很大的信心。或者這亦正正是他決定重演這套劇目的原因：「呢套戲對我嚟講好大意義，除咗係我演藝生涯好重要嘅轉捩點，佢亦係好好嘅種子，好適合依家呢班年輕人。」 時至今日，從演員變成導演，而且是導一齣自己曾經演出過的劇目，會否會不自覺地想控制演員按自己方式演出？盧智燊笑說，10年前的自己或許真的會這樣，但現在看到飾演牙醫的蘇振維，演繹方法與當年的自己是完全不同的兩種風格，「都work㗎喎，都好好笑喎！後來我都明白咗，就算100%照抄我都好，都唔代表係好。」 ｜袁浩楊：七年磨一劍 22年後，在排練室內賣力揮灑汗水跳唱練習的，不再是盧智燊，而是眼前這班新力軍。飾演男主角歸世茂的袁浩楊，樣貌有點稚氣，但原來2018年已加入中英劇團。盧智燊在構思重演時候，腦海中已經選中了他：「覺得佢唱到，性格適合、外型適合，信心都似乎build up到OK了，所以，覺得係時候了。」袁有點靦腆道：「第一次擔正musical嘅男主角，奉獻咗畀盧智燊，同埋中英。」 盧智燊與袁浩楊的關係，恰似當年李鎮洲與盧智燊一樣，他們曾經一同露營、一同通宵吹水。盧智燊曾見過袁浩楊剛加入中英之時，排練其他導演的劇目，因為太緊張「淆到痴咗線，棟咗喺度」盧智燊用露營比喻：「做主角唔容易。好似一個營嘅主骨，唔夠力開花，你有幾多條骨都會散。所以，要好有自信，好有信心。」 在《花樣獠牙》裏，歸世茂表面是一個憨厚傻小子，但袁浩楊認為他的經歷絕不簡單：「Act 1嘻嘻哈哈，畀人笑畀人打，但去到後來知道心愛女生有好慘痛經歷，經過嘅掙扎、殺哎呀阿爸，全部都係真。」經歷過這些年的磨練，袁浩楊學懂了——用心感受角色，又刻意阻止自己重看20年前演出片段，「怕畫面停留喺自己腦海，局限自己，停止自己探索。」 最後，盧智燊驚訝：「魚旦演繹出嚟嘅情感比我想像中更deep。」 ｜重演：文本變化與挑戰 經過22年，時代轉變，社會轉化，劇本需要修改。根據陳鈞潤先生當年的文本翻譯，劇目時代背景明確是5、60年代的香港，但重演時候則修訂得比較模糊。盧智燊解釋：「例如Audrey（女主角）有句歌詞，講希望『我賢淑似林鳳』。但大家依家都唔知邊個係林鳳，咁有乜意思？所以我改咗啲詞，令年代甚至地域模糊咗。我覺得for年輕人，佢會容易啲進入呢個世界。」…