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【嬉皮人生】 越戰聽美軍黑膠碟 偷渡來港住木屋 鴨寮街走鬼檔起家 黑膠碟養父歐德成：「人要吃飯，而靈魂的食物就是音樂，人生不能失去黑膠碟。」
「1957年，我在越南出生。」歐德成（Paul Au）小時候常常「黐」歌聽，鄰居播披頭四、貓王，他便跟着聽，直至他15歲那年：「老豆突然買了一部黑膠碟機。」70年代，香港人每月薪金約百多元，每張碟售價$20，絕對是奢侈的玩意，正在打越戰的越南更有過之而無不及，一張碟等於一個月房租，Paul說：「同學仔有就借，或是翻版只要$4、$5，再不捨得便買卡帶錄歌。」 戰爭煙硝未散，面對即將成年需上戰場的壓力，Paul下了決定離開：「有些被我『黐』歌聽的哥哥，被拉去當兵，有些死了沒有回來。」17歲的Paul決定「遁」來香港：「走佬啦！」隻身來到，曾在銅鑼灣某間酒店當「後生」、在唱片公司工作、無業，但不論哪個時期，他也不曾離開音樂和黑膠碟。 契機下，Paul在1984年開始，在鴨寮街經營黑膠走鬼檔，直至沙士上樓，50年來皆與黑膠碟為伴，他笑說：「失去它可以說不行，人要吃飯，靈魂的食物就是音樂。」對了，雖然因為逃難，Paul未能把第一張碟帶來香港，但多年以後他又重新把它收藏，那張清水樂團的「Cosmo’s Factory」也放在他店內「Vinyl Hero」。人生呀，能找到一件刻進骨子裏般喜歡的事難，可以一生都堅持做着更難，讓我們小心翼翼的取出唱碟，把針對準唱盤的洞，回到Paul那段當初被遺忘的時光…… 文：Hoiyan (@seamouse_hoiyan) 攝：Mak (@iunyi_) 他們的全盛時期 最初，黑膠碟並不是用塑膠製成，而是昆蟲的排洩物及分泌物凝結而成的「蟲膠」，Paul說：「百多年前，那些是留聲機碟，人們把蟲膠壓紋做黑膠碟，但聲音不悅耳。」此外，留聲機碟像石頭一般重，保存很比較困難，因為一跌便會碎掉。 40至50年代，黑膠碟技術更為純熟，已經製作出接近全真的唱片，惟當時世界正陷於紛亂的戰爭之中。二戰結束之後，美國進入「垮掉的一代」的嬉皮士時期，人們充斥着反戰、反制度、環保意識冒起和探索自我，自由的空氣是創作的最佳土壤，因而誕生了許多至今仍經典流行的音樂、樂隊。Paul出生在越戰之中，他直指美軍把歐美流行文化傳入：「他們的剩餘物資、唱片流出，有人會執去賣。」他直言，小時候其實不懂音樂，只是覺得好聽便會聽，喜歡就好。 從那時候開始，Paul便與音樂和黑膠碟結下不解之緣，甚至會跟隨越南的嬉皮士學「夾Band」，即使1975年為了躲過兵役征召逃來香港，之後也不錯放棄愛好，當時仍是黑膠碟的全盛時期，他回憶着說：「60、70、80年代幾十年是唱片業最厲害、最蓬勃的日子，之後90年代便沉下去。」 喜歡音樂的孩子不會變壞 初來港時，Paul住在北角的天台木屋，他笑言：「一次過交數萬元，便不用再交租。」住了約8年，在1983年因拆卸需搬離，他說：「你知道我們這些飛仔，有時候夾Band打鼓，別人不喜歡，曳嘛。」最終他在深水埗黃竹街找到一間天台屋。 「那時候則好沒工作，經常在鴨寮街閒逛，誰知讓我看到有些狀態良好的黑膠被扔在街上，每隻$2平賣。」說到黑膠碟，Paul的語氣總會激動一點：「以前沒錢買，現在這麼便宜，當然買！別人覺得過時不流行，我流行！」本來是一張一張的買，後來攤販直接建議他整箱買，流落在街頭的黑膠碟，一一被Paul收留，所以他才被其他愛好者稱為「黑膠碟養父」。 黑膠碟嬉皮士 隨着收集的碟越來越多，Paul便想：「不如在街邊試試開檔，賣出去有錢，便可以多買一些不同的碟，豐富自己的藏量。」就這樣，一隻原價$20的黑膠碟，丟棄後被當成撿破爛的賣$2，Paul購入後再以$5售出，能成事也叫他驚訝：「竟然有同好來買，賺下賺下多點，做了幾十年，直到現在。」 你能想像年輕時的Paul嗎？單看可能想不到，但或許能從說話中找到一點端倪，店內有一張舊照，綁着頭巾、穿着皮衣、闊腳褲與厚底鞋，還開着一輛哈雷電單車，他語帶滿足道：「全城只有兩輛，威盡！很多女生都說要坐我車尾。」他分享，那時候在街上唱流行的「飛仔飛女歌」，如果能搭上嘴唱上一句，便能認識異性，這就是那個年代的「Flirt女仔」或「Flirt男仔」。 那時候的他，生活除了黑膠碟，還有同樣喜愛的電單車、碟機、樂器，Paul分享：「我曾經在樂器舖打工，喜歡哪一方面，就去做那些工作，都是做興趣內的東西。」有些人一身追求安穩，有些人則喜歡隨心而行，而Paul顯然是後者：「人生一路做、一路玩，很精彩！如果做不喜歡的工作、不玩、不開心，人生就不豐富。」 失去的是人生、時間和金錢 「因為黑膠碟，我賺到一些東西，但蝕了人生、時間和很多錢。」Paul站在一箱箱黑膠碟之中，感覺都快要被淹沒了，他邊說邊替客人找出唱碟。 2001年，董建華特首年代，Paul說那時候的倉庫很不值錢，深知黑膠碟的水很深，長遠下去一定有土地問題，他便把心一橫把心愛的哈雷賣掉，買下四個倉庫存放珍藏。「經常交租蝕很多錢，雖然不捨得，但也要理性，除非有很多錢去蝕。」Paul看着舊照中的哈雷，又細說電單車的威水史：「是明星車，黎明、郭富城、羅大佑也租來拍戲，很多港產片也能看到它。」不過，雖說Paul的唱片倉是買的，但每個月仍需要付不同雜費開支，像管理費、地租差餉等，即使磚頭價格翻倍又翻倍，他還是賠錢做：「我沒有賣，又沒有租。」 除此之外，Paul的家人已移民到加拿大、美國，他們亦曾勸Paul把唱碟處理掉，到外國一起生活，他說：「我不捨得。」同時，活過一甲子，「蒲」過精彩過，現在仍是形單影隻，又是否因為黑膠碟？他一頓：「是呀，女孩看到你每天也『wee運運』，沒有人接近我。」從年輕時，Paul似乎已很清楚自己的歸宿：「我不是住家男人，是流浪漢，你知道Hippies（嬉皮士），喜歡一樣東西便會在那落地生根。」自2003年，Paul從走鬼檔搬上惠康大廈後，他已沒有再回到黃竹街天台木屋的家，他看着圍繞在身旁的唱片說：「因為它們，我已經在這裏40年。」 為黑膠折翼的浪子 對於Paul而言，黑膠碟就是生命的一部分，為它犧牲的一切，就只是為了一個保護他們的機會，他說：「我喜歡的碟丟在街上也沒人要，但很多人搶着要的，我又不喜歡。」像是蔡琴的《被遺忘的時光》和《老歌》，台版唱碟因採用日本錄音技術，保存完好炒賣至萬多元，而港版碟也炒至數千元，但這些都不是Paul的心頭好，所以全都供客人尋寶之樂。那麼，他喜歡甚麼呢？《Love Story》電影原聲碟、《Finger Trip II》、法國小雲雀Édith…
【感受香港音樂】香港音樂需要乜？ 資深樂評人袁智聰：「健全發展，需要持續性」
除罩之後，大型音樂活動陸續舉行，除了Clockenflap，還有西九文化區（西九）x HKT舉行的HKT西九音樂節。首屆流行音樂節POPFEST，無獨有偶，都是走音樂聯乘、跨媒介，呈現多元香港流行音樂文化的路線。在網上聽歌極容易，音樂創作和發布門檻都降低的今天，才華橫溢的音樂人湧現，但，如何才能讓這幾年的百花齊放，不至於曇花一現？我們向資深樂評人袁智聰提出了這個問題 —— 香港音樂需要乜？ 商業與持續性的永恆戰爭 「香港音樂，需要更多新嘅聲音，更加需要新嘅地方。」袁智聰以一句說話總結。他表示，近年新進音樂人越來越多，社交平台為他們提供了大量曝光機會，整個樂壇要再進一步，就需要實體表演場地，「場地香港不嬲都唔夠，尤其嚟緊會有好多外國音樂人嚟表演，九展又重建。」 文化層面方面，當加入商業考慮之後，香港往往少有具持續性的音樂節目及音樂雜誌，這與香港整個文化底蘊未夠深厚有關，「一個樂壇嘅健全發展，需要持續性。」 回想西九過去有關流行文化的搞作：2012年出現的「自由野」，每年一度在西九草地上以開放空間形式，讓不同藝術家表演互動，再演化成之後的「自由約」，定期舉行，再有留白Livehouse一星期幾晚的小型現場音樂演出，「其實已經同緊啲樂手crossover。」袁智聰認為，這正是西九與其他舉辦文化藝術活動的單位不同的地方。 這種形式的活動，並不賺錢，更需要有場地支援，一般商業機構難以推展，「西九唔係純粹當一盤生意去搞，有佢哋自己機構嘅理念，當然亦都就係阿龔（龔志成，著名音樂人，現為西九當代表演藝術主管）咁多年做緊嘅嘢。」 延續由聯乘擦出的火花 提到crossover，近年香港音樂界內，聯乘演出的確變多了，有別於過去傳統主流媒體舉行、邀請不同歌手合作的「聯乘音樂會」，近年的聯乘演出串連了不同位置，「歌手加樂手，咁先collaborate到，多啲新合作，多啲音樂上嘅火花，以前嗰啲，我會形容係同場共演。」袁智聰說。 如果想更臻完美，聯乘演出之後更可以推出音樂作品和相關產品，「crossover唔係只做一場show，我更加expect佢哋（音樂人）可以走埋一齊去做歌。以前好多show連live album都冇出過，有啲浪費。」他補充。 不過對比外國，香港這類聯乘演出顯得較為被動，一般需要由中間人推動和促成，這與整體的市場情況和業界習慣有關，「外國音樂人係自己嚟料，可能因為外國做音樂方式比較自主。」 策展大型香港音樂博覽會 袁智聰表示，當西九以策展人身份策劃不同活動的時候，亦可以得到不一樣的效果。例如今次兩周合共十天的節目，POPFEST將創作歌手、新晉偶像、樂隊組合和其他音樂人、音樂總監串連，「curate一啲兩邊都會有chemistry發生嘅活動，令聽開pop嘅人去聽吓其他嘢。」 承接上面的「西九唔係純粹當生意去搞」，POPFEST並非所有活動都要收費，例如即將在「M+夜不同」舉行的「的士高之夜」，和在藝術公園大草坪、海濱草坪東面及留白Livehouse舉行的逾35場演出，均費用全免。「今次嘅POPFEST對我嚟講，就係一個大型香港音樂博覽會。」 視覺享受的士高文化 「的士高」之夜貫徹西九M+「視覺文化博物館」特色，以空間佈置、燈光和投射影像等視覺元素，將光庭變成舞池，並邀請現場DJ把經典廣東歌曲重新混音，將風靡一時的disco呈現眼前。 袁智聰分享，disco文化與香港共渡了一個黃金時期，「視覺上最signature一定係啲燈，我嗰陣都拉抆邊可以去蒲。」有別於之後的「蒲」，80年代disco是靚人潮人集中地，又會有Noon-D（午間開放時間），「未夠秤都可以入去」，更是外語歌曝光plug歌的絕佳場所，「你會喺舞池上面見到陳百強跳緊舞，佢唔會喺VIP房唔出嚟，呢啲先係當時傳奇嘅畫面！」 一個機會・新的體驗 說到最後，袁智聰笑着說：「具體啲講，去大型音樂活動就好似食咗一場自助餐，只要你保持開放態度，去認識、吸收、嘗試，咁你就會多得着。」至於得着多寡，「我就唔敢講，你可能得到一個好驚艷嘅餐飲體驗，都不排除好多人係去打吓卡，但至少係一個機會，令你去愛上一種新嘅嘢。」 他說，同類活動例如Clockenflap都有同樣效果。POPFEST的不同之處，他再笑笑：「呢場自助餐有啲位，唔使錢已經可以食到，可能海陸空都齊晒畀你！」 — 香港最大型室內外流行音樂節 HKT西九音樂節 詳情留意 wk.org.hk/popfest
【與UFO之父談廣東歌】夏韶聲自己影片自己剪 以電腦喻傳承 勉勵年輕音樂人打開耳朵衝出去
Danny Summer、夏韶聲，提起這位香港樂壇前輩，聯想起「空櫈」、「結他」、甚至「外星人」都不足為奇。但如果說，更合適的關鍵字可能是「樂隊」、「日本」、「電腦」，你又能否想到其中的關聯？一切，應該從他的名字說起。 UFO和香港搖滾之父 在成為「UFO之父」前，Danny早有「香港搖滾之父」的稱號。而Danny Summer這個名字，是80年代日本著名吉他手竹田和夫為他改。夏韶聲受竹田邀請加入樂隊「Creation」到日本演出，為了讓歌迷更易記得，他便成了Danny Summer。 這位首名獲邀到日本表演的香港音樂人，在訪問正式開始前提到，近年沒有脫離音樂，但更多時間是沉浸在不同的興趣當中 —— 包括剪片和畫漫畫。是的，年輕一輩對他的印象，相信離不開「外星人」，皆因他擁有自己的YouTube Channel，經常分享對宇宙生物的看法。Danny認真地說：「啲片真係我自己剪！」言談間更拋出幾個頗技術向的專有名詞，顯示自己對電腦的知識是「真材實料」，絕非吹水。 以電腦喻傳承 輕鬆過後，回到較為認真的題目。這次見面，是因為即將舉行的首屆「香港流行文化節」，主題是傳承，但甚麼是「傳承」？他以電腦作喻：「你買一部新機，基本嘢喺度，你要輸入programme去做你應該做嘅嘢，想做嘅嘢。」太玄？他補充：「即係我入咗啲programme入去，我學咗啲新嘅嘢，喺呢度創造自己嘅嘢。」 乍聽好像有點難明，加上實際例子，就會發現好到point。Danny表示，張國榮和梅艷芳在80年代極有代表性，堪稱經典，而在他們之前，亦有其他人為廣東歌奠下根基，例如帶起廣東歌熱潮的許冠傑。再向前追溯，有顧耶魯改編The Beatles的《Can’t Buy Me Love》及《I Saw Her Standing There》成《行快啲啦》和《一心想玉人》，「呢個仁兄可以話係開廣東歌先河。」 香港流行文化曾影響東南亞 承傳就是一個文化，有人開始，「傳落來就有人跟住咁樣做，就做靚啲，去到張國榮梅艷芳嘅時候就再做靚啲，嗰陣時整個氣氛都係咁樣。」Danny憶述，那些年的香港流行文化，不只在香港流行，更影響東南亞不同地方，可謂舉足輕重。 他亦分享了70、80年代歌星走埠情況：「嗰陣佢哋唔係收鈔票，係收金條，地位崇高。」以音樂賺取收入，之後實現自己的夢想，「唔只出唱片，仲會搞舞台劇啦，你會感受到香港音樂文化幾咁發達幾咁好！」 打開耳朵衝出去…
【聽廣東歌長大】 吳林峰從聽收音樂抄歌詞、街頭表演到歌手 「這座城市很多情感，值得記載在心中寫在歌裏。」
你是聽廣東歌長大的嗎？很多80、90後的重要人生階段也有一首非它莫屬的主題曲，畢業時一定與好友們唱着《Forever Friends》、與初戀感到彼此是《天下無雙》的一對、為未來感到迷茫時則要來一首《我的快樂時代》，記得那些已塵封的稚嫩過去嗎？90後歌手吳林峰也是被廣東歌餵養長大，聽到陳奕迅充滿撫慰的嗓音，便以成為能唱出故事的歌手為目標、又因為感到有趣而在初中的校內歌唱比賽唱了林峯的《如果時間來到》，後來他走到街頭Busking並開始寫歌，街頭表演了六年快要放棄之際，又誤打誤撞成為2019年的樂壇新人。 從守在收音機旁默寫歌詞的小樂迷，吳林峰憑住一點堅持一點愛面子的心態成為台上的歌手。可能你沒有聽過他唱的歌，也未必聽過他寫的曲，但不論觀眾有多少人，他都篤信做每首歌也有責任：「一定會影響到某啲人，可能3、4個也唔緊要，但要對得住自己嘅作品。」 文：Hoiyan｜攝：Mak 守在收音機旁抄歌詞的男孩 小學時，吳林峰剛與父母來到香港，三人住在空間狹小的小房間裏。在同齡小朋友放學後看着電視兒童節目「放學ICU」時，吳林峰則是伏在收音機旁，一知半解地開始接觸流行曲的花花世界。不過，那時候他沒有MD機，聽到喜歡的歌如何「重播」？「我會抄歌詞，記得信和樓下有好多唱片舖，聽完歌會去嗰度唱畀姐姐聽，問佢哋歌名。」吳林峰笑道，因為小時候的自己性格比較「摺」，又不太喜歡與別人溝通，當時讓他珍視為娛樂的音樂，意外地變成一顆種子，不斷被音符、旋律和歌詞灌溉，開始長出嫩綠的芽。 升讀中學後，吳林峰的媽媽從社區中心搬回來一台二手電腦，他說：「搵歌就方便咗啲。」除了電台DJ的播放清單外，吳林峰也開始主動出擊，在SoundCloud或Foxy中尋寶，他舉例：「喺茄子蛋仲未紅嘅時候，我已經聽過佢哋啲歌。」聽到了喜歡的歌，買回來CD後會細聽每一首歌，翻看歌詞本中甚少人留意的幕後製作名單，他解釋：「心入面有個底，如果有呢啲人出現，首歌一定會好聽。」性格方面，他也從小毒男變成擁有自己朋友圈子的大男生，先後因為被說聲音像許廷鏗而在比賽唱了《螞蟻》，又在朋友起哄下以林峯的《如果時間來到》參賽。 然而，這小小的舞台如何能困住年少的熱血和夢呢？在中四的下學期，吳林峰便走上街頭，開始其長達6年的Busking之路。 不想後悔？現在就去追夢吧！ 在人生哪一個時刻，我們開始將轟轟烈烈的夢想拋諸腦後，從初生之犢變成營營役役遵守遊戲規則的齒輪？這是日本樂隊Mr. Children的一首歌曲《くるみ》（Kurumi）所說的故事，讓當時已開始以玩票性質創作歌曲的吳林峰深受觸動，為了不讓自己老了才後悔沒追夢，他開始認真的用一粒又一粒的小豆豉譜寫出自己的心情。 從那時候開始，成為一個唱作歌手是吳林峰的目標，而他希望用歌去記錄生活中有情感和溫度的事。對於他的創作或風格，盧廣仲和陳奕迅影響最深，他說：「盧廣仲啲歌好似冇咩意思，好無厘頭，但其實係一本日記寫低佢人生每天發生嘅事。」前者讓他發現原來創作可以很自由；後者的嗓音讓他感覺到很被了解，每一個時刻也總有一首適合你的陳奕迅，他語氣堅定說：「我好確定自己要唱得似佢，唔想係唱歌，我想講歌。」 不過，把鏡頭拉闊一點，看看當時整個香港樂壇的大環境，充斥着開心情歌、失戀K歌，甚至有人說樂壇已死，不少樂迷也轉會到日韓台的音樂世界。「香港每個人都趕住返工，聽歌都變成咗一個尋覓安全感嘅方法。」吳林峰嘗試以「上帝視角」回看當初，有些人會覺得唱片公司複製成功例子打造新人，倒模的歌手形象、相似的歌調，全都一式一樣，但他仍認為那時候的廣東歌有很多優點：「廣東歌嘅曲是特別melodic（有旋律），其中一個原因係廣東話有9個音。」而且，早期不少廣東歌是翻唱旋律多樣化的日文歌，又或者簡單悅耳的英文歌，集百家大成，最可惜的是，市場沒有足夠勇氣走出舒適圈。 香港製造的一浸「除」 當初因為追夢走到街頭演唱，卻因為多年沉寂尋不到伯樂而感到沒有未來，於是想做一隻屬於自己的歌圓夢，他笑說自己是愛面子的獅子座：「同時都想搵一個型啲嘅方法退場。」當時的他心想，完成這首歌後，從此不再異想天地把音樂當作工作，只看成興趣或許也很好。有了這一個目標，吳林峰的生活便是Busking、寫歌、工作不斷循環，把人情卡「碌爆」找朋友幫忙錄歌製作，更曾試過因沒有錢而被迫中斷錄音，他說：「唔夠錢就停一停，返幾份工，夠錢之後繼續再錄音。」能做到這地步，不是真心熱愛，應該也難以捱過。既然音樂彷如你生命的一部分，又為何要放棄呢？ 「做Show $200、$300、$500或者$1000都唱，我覺得自己好似做雞。」吳林峰坦言，雖然可能某些人聽起來不舒服，但這確實是他在表演時的感受，是一路走來的血與淚。在一些表演中，他曾問主辦單位能否唱自己的歌，只換來對方一句冷言：「我哋有提供歌單。」或是賣力唱歌時，在場的人沒一個在意，有如一個「人形Amp」播放着背景音樂，不禁讓他質疑自己到底是音樂人還是廉價表演工具？他不解道：「我好憎呢種感覺，搞唔清楚自己身分。」這樣沒有前路的6年，讓他不敢再去夢。 而這也正正是很多音樂人面對的苦況，在香港做音樂難以支撐生活，他們甚至需要一份正職來供養音樂，然而諷刺的是有一句老話「音樂是來自生活」，吳林峰說：「已經無法生活，仲講咩音樂？」但他很清楚這是一個考驗：「通常越難捱、越痛苦就越有藝術感。」以Jazz和Blues為例，就是當時在黑人生活被壓迫下所誕生，所以堅持堅持幾多錢一茶匙？他說：「香港其實有好多好勁嘅痴線佬，都是被迫出來嘅獨有藝術文化，所以我們嘅音樂、影像或者文字，一定有一浸除。」對，這熟悉的感覺，就是香港。 放棄的轉角是希望 上面提到的「退場歌」，就是《你是萊特》。這首歌歷經重重難關終於面世，吳林峰在社交平台上發布，並投放了$20賣廣告，讓他終於等到伯樂。有一天他收到一位商台DJ的電話：「你好，我係商台嘅梁文禮。」吳林峰笑言自己滿頭問號，還心想是否電訊公司的續約電話。對方接着說：「你首新歌有冇派台？」說音樂，他絕對能侃侃而談，但關於市場上的操作，他還只是個孩子呀！於是，吳林峰便禮貌問道：「要點樣派台？我把隻碟寄畀你哋定點？」電話那頭解釋：「因為聽到你首歌之後我都幾鍾意，想陣間喺節目度播。」掛線後，吳林峰便把歌曲的音檔傳送給梁文禮，《你是萊特》首次在電台上播放，沒有留意後續的吳林峰，當然不知道後來歌曲在兩星期上了歌榜20位，這是一個大驚喜。 「年中嘅時候，我突然收到叱咤頒獎典禮嘅邀請信，因為我係嗰年嘅新人。」後知後覺的他才發現，原來自己無意之中已踏進了樂壇，便對朋友說：「我哋係咪要繼續做歌？」既然上到榜，便繼續做下去吧！有時候看着前路，好像只有滿滿失望，誰知道轉角便重新找到希望，吳林峰就是這樣，重新找到堅持繼續玩音樂的理由。 每一首也是一個責任 吳林峰出道於2019年，有人說這一年出道的歌手都是悲劇，他卻滿足道：「同年有林家謙、姜濤等人，依家自己嘅存在仲有一份價值，我已經覺得算係咁。」此外，那一年接連出現社運和疫情，他說也是一個很好的機會讓他思考自己：「自己可以為社會做啲咩？或者你嘅音樂有咩意義？」而且，在歲月靜好的日子裏，或許成為一個歌手已足夠讓你成為特別的存在，但疫情是香港人以至全世界的共同經歷，這些都把「特別」沖淡，反而讓他認真檢視自己的想法：「我應該要做一個點樣嘅公眾人物？」他想，即使自己不是大紅大紫的歌手，但至少每首作品也要對得住自己：「唔多人還唔多人聽，但一定會影響到某啲人，每一首歌都有一個責任。」 從低谷走到現在，吳林峰有感現在樂壇狀態很好，他說從前會和朋友戲言：「譚詠麟唱咩歌都好聽，因為佢係譚詠麟。」過往可能只有極少數的樂迷會留意歌曲背後，但現在卻因為Mirror帶起風潮，讓樂迷也慢慢開始把目光留在幕後製作，他說：「可能有人好憎他們，但我好感謝佢哋帶起討論，因為冇人討論嘅都係shit。」對音樂人而言，這是一個實實在在的曝光機會，即使你可能只願意花15秒時間聆聽，或是閱讀他們的數個帖文。 安全感作祟 有人說，近年香港樂壇的音樂種類變多了，吳林峰則說：「我會話Supper Moment時期已經有好多。」那時候的地下表演場地已有很多幕後製作人的演唱會或分享，他續言：「Metal有RAP也有，只係走上台就要迎合市場。」他補充，從前香港與台灣音樂市場的最大差別，後者流行到live house鑑賞音樂，以音樂去認識歌手，張懸、蘇打綠、陳綺貞等歌手便是從「女巫店」走出來的，而這些正是香港樂迷正在學習當中的，而吳林峰亦感受到實在的變化：「觀眾開始認真去聽歌。」無論是哪個頒獎典禮，總有樂迷會不忿結果，吳林峰坦言雖然聽在歌手心中會有不快，但轉念去看便是樂迷開始擁有辨別好壞、清楚自己喜好的能力。 說回音樂類型，既然從前香港音樂已百花齊放，為何留待現在才被發現？「因為大家都離唔開香港。」吳林峰說娛樂是必需品，疫情期間能外出娛樂的機會減少，他說：「大家開始關注呢個地方發生嘅事，喺呢度尋覓娛樂，擁有娛樂之後就開始探索更多。」 同樣地，也是安全感作崇的關係，部分人會覺得歌還是聽老的好，吳林峰分享：「每日都有好多新事物出現，要接觸新事物好難，同樣要令自己鍾意都好難，所以要不斷用時間去聽同感受。」為此，他自己每天也會花上大把時間讓自己沉浸當中，或是寫歌，或是發掘新的樂趣。…
【電影看世界】當音樂成為禁忌 《戰地孤聲》奏出希望與自由 香港Busker眼中的音樂又會是甚麼？
有些人出門忘了帶耳機，就會一整天不自在。的確，戴上耳機，聽着精心排列的歌單，無論身在何處也能馬上進入屬於自己的小天地，讓情緒和旋律互相渲染。聽歌、唱歌、創作音樂，看在我們眼裏很是理所當然的事，卻是地球上某片土地的禁忌。最近上映的《戰地孤聲》（Broken Keys）說的就是敘利亞人民被伊斯蘭極端組織佔領，禁止所有音樂、文化創意及娛樂，違反者會遭處極刑。 劇中男主角卡林從小受母親熏陶，學習彈奏鋼琴，夢想成為一位鋼琴家，而這一切都被無情的槍械和戰火剝奪，每一次彈奏樂曲也需要賭上性命作代價。卡林為了離開敘利亞得到實現夢想的機會和自由，打算把母親的遺物鋼琴賣掉，卻不幸被極端組織破壞鋼琴，他必須深入戰區尋找維修鋼琴的零件。路途上，他遇見不同在斷壁殘垣的隙縫中努力生存的人，讓他深刻感受到「自由是要付出代價」，同時亦意識到音樂正是他最擅長和僅有的武器。 在地球的那端，音樂既是禁忌，也是自由和希望。那麼在香港，音樂又是甚麼呢？我們想到了一個個仍在努力追夢的busker，在剛過去的星期五晚上，走到了旺角街頭，希望問問他們音樂的意義。流連了兩個多小時，卻一個身影也沒有，據說是不久之前那邊的街頭表演被投訴發出噪音滋擾，警方接報後到場發出傳票的結果。 後來，我們走到尖沙咀星光大道，終於看到兩隊Busker正在表演…… 文：Hoiyan｜攝：Mak
【流行音樂實驗】走進10個生命故事：跨性別性工作者、港足球員、白化女孩 《面對面》展覽音樂會＠K11 Art Mall
每天走在路上都會遇見千百個陌生人，迎面而來擦肩而去，匆忙之間總是來不及認識彼此。由藝文機構「創不同」（MaD Asia）協作主辦的《Face to Face面對面》展覽音樂會在K11 Art Mall舉辦。10組創作者是公開招募，由周耀輝領軍項目，有唱作歌手黃妍、王嘉儀、Kendy Suen、Jabin Law、音樂人Goro、填詞人何秀萍、王樂儀及曾入圍金曲獎最佳音樂錄影帶獎的影像創作者MO@YAMANYAMO帶領，以10個不同文化背景的人物作主題，如香港足球代表隊球員簡嘉亨、前殘奧馬術運動員Bryan、跨性別性工作者琦琦、外傭Alicia、無性戀者康和舞台劇演員宋本浩等。創作者與他們進行深入訪談後，再以文字、音樂和MV影像創作來分享故事，希望實驗嘗試用流行音樂反映社會多元的無限可能，同時為城市增添溫暖。 此外，所有原創音樂作品已在各大串流平台上架，包括Spotify、Apple Music、KKBOX及YouTube等。 1. 跨性別性工作者 – 琦琦 《兩顆》｜曲／唱：黃曦桃 TAOTAO 詞：陳銘洋 編：卓家誠 Daniel Toh 音樂錄像：麥寛郁 2. 鵝頸橋打小人 – 趙姑 《小》｜曲／唱：MAIA…
【被音樂選中的孩子】44歲藍奕邦回歸樂壇展開歌手生涯Last Dance 創作橫跨20年 《圍牆倒下前》寄寓重逢前要自持
「在文明崩壞時｜把一笑與一語｜默然藏心留念」是藍奕邦最新單曲《圍牆倒下前》的節錄歌詞，詞曲均由他一手包辦。有趣的是，這首歌的曲和主要歌詞寫於他1999至2000年的大學時期，一直揣在懷裏等待合適的時機推出，直至近年累積發生的事情，讓他覺得是時候了，便把其他歌詞完成，像是2022年送給大家的最後一份禮物。橫跨了近22年的創作，既有當初藍奕邦被兩德分裂柏林圍牆相隔的故事最純粹的觸動，亦有多年他的經歷和感受，一起聽着這首歌感受他的音樂、環境的變化，看他音樂之路的剖白。 被音樂選中的孩子 在小學六年級移民至加拿大前，藍奕邦在香港就讀聖士提反書院附屬小學，學校十分重視栽培學生的音樂素養，所以規定每個學生也需要學習一種樂器，當年藍奕邦便選擇了鋼琴。年紀小小的藍奕邦，因為父母關係很常接觸到鄧麗君、張國榮、梅艷芳、Michael Jackson及Pet Shop Boys等流行曲，而他亦可以憑聽到的旋律摸索出琴鍵，但他憶述古典鋼琴老師並不鼓勵，反而希望他可以好好練習看譜：「我不太喜歡考琴的制度，會懷疑自己是否真的喜歡那些樂章，還是為了考試去學呢？」幸好，藍奕邦的媽媽十分支持他，並不會像其他家長一樣互相獻寶似的比較孩子的音樂成績，直至現在藍奕邦對媽媽當時的一番話仍記憶猶新：「我媽說不用像別人一樣考到7、8級或者演奏級，彈自己喜歡的歌曲最重要。」媽媽的態度，把一個充滿音樂天賦的小孩在制度下救活，才不至於溺死於其中。 「雖然好像很老土，但真的彷佛是音樂選擇了我。」藍奕邦笑言，他移民到加拿大後，中學（Middle School 和 High School）的班主任也是音樂人，甚至高中老師舉辦的課外活動是歌曲創作學會，「從前覺得自己在琴前是亂彈，但原來那是作曲。」 因堅持而成真的歌手夢 雖然是被音樂選中的小孩，但藍奕邦從不敢奢望做歌手，其一是從前的選秀途徑較少：「不知道如何簽公司，而且覺得要有娛樂圈關係才可以入行。」不過，自他接觸音樂後，不論人在香港或加拿大，是中學、大學還是畢業後，也一直持續創作。他回憶那個互聯網剛興起的時代，笑言會把歌曲上載至個人網站，再把鏈結分享給不同版權公司：「Modem年代上載一隻歌要7至8個鐘。」剛畢業，他的正職是企業公關，工作內容與娛樂完全無關：「主要幫政府機構、銀行和大企業出新聞稿。」下班後，藍奕邦則是一個業餘的創作歌手，藝穗會、各大商場或許也能聽到他的聲音，就在因緣際會之下，他簽了第一家版權公司 ── 新力音樂，但對於成為一個歌手，仍感到很遙遠。 「當然會想做歌手，但千禧年頭樂壇當紅的是Twins、Boy’z和E-kids，我可以如何做？」那時候，香港樂壇主要以偶像歌手組成，直至後來林一峰、at17出現，反映市場對偶像派已經飽和，新力音樂便向藍奕邦提議：「不如嘗試用indie方式低調出一隻碟？」有了計劃，才發現版權公司不能出碟，藍奕邦便到Sony Music推出了第一張個人專輯。 有限的預算 無限的自由 由幕後到歌手，藍奕邦寒窗四載終捱來第一張個人專輯《不要人見人愛》，因為以「白老鼠」試驗方式去做，所以他以極有限的製作預算換來無限的創作自由：「那個年代做一隻歌大概3萬多元，我大概用市價4至5隻歌的價錢去完成這隻碟。」全碟11首歌，他只花了正常一半預算。那時候，正常專輯的「健康」銷量為8000至9000隻，當時眾人也預計藍奕邦的專輯售出數字不太理想，甚至有心理準備「打定個底」只賣500隻：「最後賣了接近萬隻。」 藍奕邦坦言，當初抱着「本死無大害」的心態做第一、二張碟，製作錄碟過程也很土炮，在帶領自己入行的師傅在家中錄歌，發現漏聲便搭一個臨時屏風，為了隔音更在炎夏中躲在綿胎之中開唱：「做了這麼多年，真的貴有貴做，平有平做，沒有甚麼做不到的。」沒有造型梳化服，頒獎典禮完結後也是自行截的士離開，這樣的起步讓藍奕邦往後的路更能屈能伸，沒有甚麼大不了的。 曲詞背後的陰暗 藍奕邦身兼多職，歌手、填詞、作曲、監製都是工作之一，他笑說：「Before slash出現之前，我已經係一個slasher。」那麼最享受那一個部分？他頓了一頓，默然的思考了片刻：「如果現在這刻，我最享受煮飯中的我，真的不是騙你。」在休養身體的這幾年裏，藍奕邦因為戀愛而學會入廚，便發現世界上能有一件事讓他完全專注、不想無謂事情，就是煮飯：「但寫歌……其實每次寫一份歌詞都會拖一至兩個星期才寫，美其名先在腦海醞釀，其實是自己淆底。」很難想像，一個已創作了百多首歌曲，在香港樂壇幕前幕後也佔上一席位的音樂人都會有憂心的時候？藍奕邦坦白，自己曾經不想再替許廷鏗寫歌，只因為擔心自己無法突破《青春頌》，然而經歷蛻變後亦衝破了心理關口：「我也很期待最近為許廷鏗和欣宜寫的新歌快點推出。」 寫歌給自己和別人又有甚麼分別呢？「以前希望寫給別人的歌一定要在年尾十大金曲，但自己的歌則會刻意避免庸俗K歌。」藍奕邦指出道多年，現在已經有少少分不清，很多歌也是先寫出來，再看它的命運會如何。下筆之前，仍是會擔心害怕；上台前，還是會擔心自己的狀態，儘管每次完成任務後前也必經自我懷疑，但他總是不會教自己失望，藍奕邦滿意笑道：「寫好之後會食枝事後煙，對得住自己，沒有跌watt。」 在聚光燈直射後影子，是他隱藏在成就背後的高標準、沒有自信，高壓的情緒壓力亦影響了身體健康，讓他不得不急流勇退。這一次，他準備好重新出發了。 跨越72年的《圍牆倒下前》 在2015年1月，藍奕邦完成了「環球好Sing音樂會」的演出後，便宣布全面停工養傷。暌違近7年終於回歸樂壇，而《圍牆倒下前》是他復出後推出的第7首歌，也是一首意外出現的歌，他表示自己十分喜愛這首歌：「鍾意到在我有能力前也不想拿出來被人糟蹋。」這句寫於藍奕邦大學時期，不說不知道，他是國際關係學者沈旭暉的大學同學，而《圍牆倒下前》則是藍在政治系的歷史課堂受柏林圍牆故事觸動的有感而發。事隔多年，藍奕邦有一個摯友在沒有通知任何人的情況下移民離港：「他到埗settle down才告訴我，我真是喊足3日。」從前，朋友出國讀書或移居外國，他總會覺得很快便能再見面，但今時今日之下，他不禁會害怕：「是否以後都不會在香港看到他呢？」而另一個讓《圍牆倒下前》面世的原因，則是因為從去年底開始，藍奕邦總會收到來自黑暗的來信：「他們跟我說聽歌就如生命中僅餘的養分，令我感覺做音樂會多一層意義。」 比起其他創作者，或許就是藍奕邦施加給自己的「社會責任」讓他背負更大壓力，在他的音樂中並非只有娛樂至死的享受和快樂：「音樂入面的訊息和世界觀很重要。」他認為，不只在音樂世界，做人看的世界也要足夠宏觀：「所以我喜歡的不是音樂、聽歌這麼簡單，而是喜歡以音樂作為一個媒介去講故事，散播訊息。」《圍牆倒下前》寫給1950年兩德分裂被拆散的人們，也寫給現在被疫情和時代被迫分隔的人們，望大家能在歌曲中獲取力量，如歌中最後一句，望眾人「為重逢請自持｜在圍牆倒下前」。…
【年少迷妄之歌】西九Livehouse冬日音樂圍爐取暖 The Glass Band X Ragpickers唱出人生味道
「燃點香煙飲啖酒，所有不快都溜走。」潮文中有一句這樣的對白，不知道故事中的主角是否真的被Kelly罵醒。然而，人生中不知道被父母、老師、上司罵了多少次，但年少輕狂的我們仍然不曾被罵醒，繼續用自己的方法探索人生，而有些人則喜歡把心中迂迴的想法化作旋律與歌詞，哼哼唱唱的與大家一起圍爐取暖。今個星期六，把尼古丁換成音樂，來到西九自由空間集酒吧、餐廳及音樂表演場地於一身的留白Livehouse，聽聽The Glass Band和Ragpickers拾荒客一起逃離鬧市走進音樂世界，喝一口「五味雜陳」，在酒酣耳熱之際沉澱人生滋味，探索未來。 上半場由The Glass Band率先開唱，陣容為主唱顏培珊Shandy Gan、結他手Michael Chan、低音結他手Jackiz Tsang及鼓手Nate Wong。Shandy曾為多部港產片製作電影歌曲，包括黃浩然《點對點》中的原創歌《點對點》及《香港漫遊》，亦有重新演繹經典作品《早班火車》和《冷雨》；此外，票房收逾千萬的《緣路山旮旯》亦是由Shandy任音樂總監，創作電影同名主題曲及翻唱《早晨》。 下半場交給Ragpickers拾荒客接棒，陣容有雙主唱Michael和Himsonz、鍵盤手 Watergold、結他手 Shroom、低音結他手 Jerry 及鼓手 Po。在他們的音樂之中，樂迷可以發掘到Cantopop的另一面，享受融入了R&B、HipHop的廣東歌。 《在酒醒之時的五味雜陳──聲無止境》 日期：12月17日（星期六） 時間：晚上9時至10時50分 地點：留白Livehouse（西九文化區 藝術公園自由空間 ）
【Hip Hop】Triple G由撒野作風走到試當真Demo Records 應終止樂壇惡性循環：「創作者應有使命感和抱負。」
中三對於莘莘學子是關鍵一年，舊制的會考、新制的選科，大家正被課業和隨堂測驗壓得喘不過氣時，就在科學堂中那張長長的木檯，有同學從長袖冷衫中伸出一條耳機線遞給鄰座：「畀你聽下，好正。」耳筒裏LMF強烈的節奏和句句直拳的歌詞完全沖擊了15歲的Triple G，讓他開始用押韻的歌詞、有旋律的RAP去和自己、這座城市和整個世界溝通。 從那時候開始，Triple G不斷在文字和音符之間尋找自己和其音樂的存在意義。一路走來累積了對樂壇的失望、市場喜好的不解，直至一年前撒野作風（Wildstyle Records）十週年演唱會，樂迷的反饋讓他重新找到自己的使命：「不需要理會其他環境因素，一個歌手就係要耷低頭做好自己的創作。」從2016年撒野作風《淺藍色的號角》，走到今天在試當真旗下音樂廠牌Demo Records推出全新單曲《岸》，有人說他賣「夢想、青春、回憶」，而他確信自己唱的是對音樂的倔強。 甚麼是Triple G？ Triple G在中學時因LMF走上創作路，卻發現啟蒙老師的風格並不適合他，在尋覓更好表達的語言時遇上了台灣歌手蛋堡，發現很適合當時多愁善感愛強說愁的自己發揮：「較Jazzy的節奏，文字也詩意一點。」就這樣，便奠定了Triple G的音樂風格。 有樂迷曾這樣介紹他：「台灣聽蛋堡，香港聽Triple G。」即使那是自己欣賞的歌手，但難道不怕自己的作品充滿了別人的影子嗎？Triple G分享，歌詞創作必須要赤裸面對自己，再用音樂表達自己，所以必須認識自己：「多些思考和反省，日常生活的感悟夠深刻，出來的東西自然屬於自己。」編曲上，他會與樂手一起寫歌做歌，由0到1的砌出每一隻歌：「第二隻EP《小王子》慢慢發展和找到自己風格，而到最新的《岸》，無論是Band Sound或歌詞也完全屬於我的聲音。」 香港樂壇的惡性循環 在2016年，Triple G在撒野作風推出第一張專輯《淺藍色的夢》後，他選擇了閉關五年才推出第二張碟《小王子》，只因為他無法接受市場反應：「當時整張《淺藍色的夢》所收錄的歌曲太憂鬱，需要一隻較輕鬆的歌填補位置，《棉花糖》是我用最短時間寫好塞進播放列表的。」初出道的他便鑽進了死胡同，認為市場結果對其他用盡心力寫的歌很不公平，他認為自己捉摸不到這世界：「我可以再做3、4隻《棉花糖》，那麼一定能爬到比現在更高的位置，但我不想欺騙聽眾。」欺騙，是甚麼意思？ 「其實（香港樂壇）係一個惡性循環。」Triple G認為創作者、MC或Rapper是一個領導角色，應不斷思考自己的作品能否為這片土地帶來好的訊息、是否能對得住聽眾，他一頓：「每一個創作者應該要有自己的使命感和抱負。」不能推出作品後推說那是樂迷的喜好，把責任從自己身上推得一乾二淨：「音樂不是說有多努力，這件事應該有門檻、有天份。」惡性循環在於已上神檯或當紅的人實力不足，餵養聽眾的音樂自然參差，也直接影響了樂迷的審美。同時，RAP只是Hip Hop的其中一種表達方法，並不直接等於Hip Hop，也讓Triple G不禁反問：「所以市場上流行的是否真Hip Hop？」 即使最近行外人看香港樂壇似有起色，但也會認同在這個地方做音樂絕對是一條辛苦路，而且會窮，尤其是小眾和獨立音樂，但Triple G告訴大家撒野作風證明了一切都是藉口：「我們不埋堆、與主流脫軌，只做自己認為好聽的音樂，也可以活到今時今日。」如果說「金錢」便是俗氣，那不如把它形容為「完成夢想的工具」，不少樂迷課金購買歌手的唱片和周邊商品，讓他們的夢想能多活一天，創作更多高質作品，Triple G坦言只要「夠硬頸」和有能力都可以做到，並喊話：「香港係可以做到，不要再妄自菲薄呀香港人！」 屬於香港的音樂 在整個產業以至市場都出現問題時，Triple G認為自己正在逆齡生長，尤其經歷了撒野作風的十週年演唱會後，更讓他肯定自己的目標：「我希望做能代表香港人的音樂，讓外國人聽到就知道屬於香港的音樂。」日本有屬於自己的搖滾風格，台灣有自己的民謠，香港呢？「香港音樂特色便是Multicultural（多元化）。」寫歌時，Triple…
【愚公移山】走方大同的路 Michael C.夥結他出道 感激樂迷包容：「換個時代《雙重標準》或不能面世」
曾幾何時，我們都有一個看在大人眼內很不切實際的夢想，你又記得這個夢是在何時被現實洪流沖走？「站在分歧的路口，那一股傻勁是我最好的朋友。」這是Michael C.《愚公》中的一句歌詞，也是他人生的真實寫照。如果給你一個選擇，高薪厚職抑或是從零開始追夢？港大畢業的Michael C.毫不猶豫執起那支有如「最佳拍擋」的結他，腳步堅定、踏上追夢旅程便向前走不回頭：「我應該是最離不開結他的歌手吧！有佢有我。」 那張專輯與音樂考試 所有事情總有觸發點，讓Michael C.走上音樂這條「不歸路」的原因有二：他的青少年時期台風正熱，旺中幾乎每間店舖也播放着周杰倫、林俊傑的歌，令Michael C.開始接觸音樂，不過真正「入坑」，卻是因為方大同。當年15歲的他正考慮學結他，剛巧聽到方大同的《15》專輯，Michael C.心想偶像也是15歲才開始彈結他，或許自己堅持下去也能追上偶像步伐，結他也能彈得像他一樣好，他笑言：「所以我是因為喜歡彈結他，才開始唱歌的。」 另一個觸發點則是中三的音樂考試，他語帶興奮地分享：「老師要我們和同學組樂團去玩，感覺很新鮮。」就這樣，他便被團員委派成為結他和主音，而這隊「臨時拉夫」而成的樂團，在考試之後亦一起征戰了多場校內的才藝表演，甚至畢業後緣份也還未斷：「發現自己不是那麼害怕舞台，而且還頗喜歡它。」或許Michael C.就是被結他和舞台選中的小孩，就這樣在考驗中一步步越過封閉和弦的痛苦和對舞台的恐懼，在起點看去一人一結他的背影已逐漸模糊不清。 錄音室奇遇記 當孩子與父母分享理想職業時，總有幾個答案比較令人頭痛，玩音樂想必是其中之一。在這個情況下，你會選擇甚麼方法拆彈？Michael C.在人生數個關鍵時刻也決定先讓父母安心：「大學選擇了他們覺得隱陣的科目。」香港大學的經濟金融學絕非輕易能「碌」入，或許當時他的父母會希望兒子受學府環境和同學薰陶，重回「正路」，卻沒有想到兒子的堅持：「希望我選擇了他們希望我讀的科目，之後他們也願意支持我想做的事。」 在大學一年級時，Michael C.繼續參加不同的音樂比賽，因緣際會下在一個小型演唱會中認識了唱片公司的經理人，更被邀請到夢想中的錄音室：「打開門便看到Edward Chan，我真的以為自己在發夢。」入行24年的Edward Chan是行內的着名監製，亦是方大同早期作品的製作班底，Michael C.基於此原因沒有多想，便與唱片公司Sony簽約。 錯過最好時刻？重新出發！ Michael C.第一首單曲《愚公》在正式簽約後第二年才推出，他解釋，這是與父母和公司商討後的決定：「他們認為能考進港大也是我的本事，能畢業則是告訴大家我不只是會做音樂。」他坦言現在想起，仍然有點後悔沒選擇休學，感覺喪失了一段十分寶貴的時間：「好像錯過了很多一開始認識我的聽眾，可能以為我消失了。」 重新出發，以方大同路線為目標的Michael C.為了同時打入港台市場，接連推出兩首國語單曲，卻不幸遇上疫情。他坦言沒有預計疫情會持續這麼久：「留在香港會想做廣東歌，但也要等待一個好的時機去轉，要帶給樂迷一個反差和驚喜。」今年十月，終於為久違的香港樂迷帶來了廣東話口語歌《雙重標準》。 市場包容度成就公司更大的接受度 Michael C.分享了選擇口話歌詞的因為：「歌曲主題是重點，《雙重標準》是與另一半控訴、鬧交，若用書面語便無法彰顯威力。」戀人互相控訴，是一個較易消化的切入點，而新歌的實際靈感，源於Michael C.有感在疫情時的人際關係，相處時間與爭拗機會無可避免地增加：「有種無力感，但卻不能炒大鑊，只可以自己默默忍受。」沒有大道理，沒有心靈雞湯，他只想把歌曲變成一隻大手拍拍你的肩膊：「我明呀！」 談到新歌，Michael C.笑言《雙重標準》若在幾年前寫好也未必有機會面世：「因為當時口語是更indie。」他續言，現在香港的音樂市場很不一樣，樂迷對不同類型的音樂包容度提高，讓唱片公司更願意多作嘗試：「對我們有Label的創作者來說，等於有更多的創作空間。」不單是語言，即使在主流音樂市場中，唱片公司也願意給予不同音樂風格機會，Michael C.以自己偏Blues…