在香港這座城市的集體記憶深處，藏著許多光怪陸離的碎片：藍田邨的彩龍大戰水妖、中文大學的辮子姑娘⋯⋯從前讀書、大學O Camp、住Hall，又或者當你與朋友新相識、聊八卦，總有屬於這個地方引人入勝的「靈異故事」存在，成為大家茶餘飯後的話題⋯⋯但如果，再也沒有人記得這些故事了呢？「有次回到中大訪談，問了現在在讀書的中大生，原來有幾乎九成的中大生都不再知道辮子姑娘的故事了。」「豚肉窩貼」其中一位創辦人Cathy說。 在大學相識的Nicky和Cathy，因著對「鬼故」的熱愛，機緣巧合下組成了「豚肉窩貼」，以餅貼（零食內的貼紙）和圖鑑，把一隻又一隻「小鬼怪」整合紀錄下來，盼創作出香港版本「百鬼夜行」。從貼紙到出書，他們今年更衝出香港，進軍扭蛋界，在日本上架短短日子便告售罄。 一個地方的歷史文化，孕育出一個個有趣而獨特的鬼故事。但原來當城市不斷變更，這些根植於特定地點與時代的本土故事，也面臨著被遺忘的危機。 採訪：Heidi @heidi.is.strong  攝影：Andrew @andrew_bangchan  設計：ZH @zzzzzzzih_ ｜鬼怪餅貼的緣起 Cathy從小就愛看超自然、鬼怪、UFO之類的故事，就連租DVD也會選擇鬼片。但這份獨特的愛好曾讓她求學時期被視為「古怪」，直到上大學後才找到同好；相反地，Nicky則認為這種興趣是與生俱來的。他認為，無論是長輩口中的禁忌，還是校園傳說，都證明了鬼怪故事是大家共通的話題，其本質也是基於人類對未知世界的好奇心。 Nicky和Cathy是大學同學，畢業後一個做廣告公司，一個做製作公司。二人出社會數年後，有感工作上的創作，都是客人主導，發揮空間不大，故萌生創作自己項目的想法，「畢業咁耐就吹咗呢件事幾耐」。Nicky一直深受日本《百鬼夜行》文化影響，眼見台灣也有類似的妖怪誌，不禁反思：「為何我們香港沒有這些呢？」 就在此時，Cathy腦海突然浮現了一個植根於香港與日本流行文化的共同記憶——「餅貼」。餅貼又稱「食玩卡」，呈現方式是零食內附的一張精美貼紙，其中以《孖寶兄弟》、《仙魔大戰》最為經典。通常貼紙正面是角色肖像，背面是簡介。對8、90年代成長的孩子來說，一包四、五元的零食價格不菲，遠比一元一張的抽卡昂貴，卻也因此更令人嚮往，成為一種小眾但深刻的集體回憶。 至於名字由來，Cathy解釋，「豚肉」源於兩人共同鍾愛的英國樂隊 SUEDE 的歌曲《We are the pigs》，並融入了日系風格；「窩貼」則既取自其產品「貼紙」的「貼」字，也食字「鍋貼」，代表用熱誠煎出美味的餃子。「感覺幾年來的想法終於有了一個可以『食落去』的地方。不如就開工！」 ｜名為「鬼怪」的社會棱鏡  分工上，Nicky負責構思鬼怪圖像設計，Cathy則負責做資料搜集，撰寫文案。她會親自到訪該區做田野考察，訪問居民，深入了解故事後才動筆，「例如你說，某學校女廁好猛鬼。我會問，那是發生過甚麼事？往往答案就是『就是猛鬼囉』。再到我慢慢做資料搜集、研究，才發現原來當中牽涉好多歷史。」 以「華富邨瀑布灣女鬼」為例，傳聞一群孩子放學後到瀑布灣玩耍，直到黃昏時分，他們注意到一個奇怪的景象：「有個姐姐離遠見到她在瀑布灣的潭底洗臉，洗了很久。誰知走到比較近的距離的時候，風吹起姐姐的頭髮，見到原來姐姐沒有眼耳口鼻，大家就嚇跑了。」Cathy分析：「小小馬後炮地想想，其實這個故事是不是真的呢？會不會其實沒有這件事，只不過可能是家長擔心而創作的？」 另一經典神怪故事「藍田彩龍大戰水妖」，故事源於80年代，村民聲稱目睹了天上的「彩龍」與「水妖」大戰。恰巧其實7、80年代以前，香港水利工程的確不太完善，70年代初更發生618雨災、秀茂坪山泥傾瀉等。及後，1977年政府為改善山泥傾瀉及水患，成立土力工程處。恰巧在藍田舊邨第十五座外牆亦畫有六層高的巨龍，自此便有傳聞，巨龍是用來鎮壓水妖。不論這些故事孰真孰假，也足見鬼怪故事與社會現狀不可割裂。 ｜從百鬼物語圖鑑  闖進日本扭蛋機 香港鬼故何其多，他們是如何選材的？二人拿起一大本貼紙簿，逐一介紹。起初Cathy及Nicky並沒有為頭兩彈貼紙設一個主題，只選擇香港人最耳熟能詳又能夠畫面上具象化的角色，例如銅鑼灣狐仙、碟仙、匯豐銀行銅獅子等鬼怪，以色彩鮮豔、線條粗獷的卡通形象呈現，既復古又充滿玩味。到第三彈的時候，開始有出版社留意他們，二人遂決定整理題材，除了為每一彈的貼紙訂立主題，也開始著手構思出書，每本書介紹大約數十隻鬼怪，並以港九新界地區分類，「我們keen on香港版本，所以所有故事、畫中某些元素，要保持香港傳說。」 直到去年，二人有了一個新目標：「如果我們想將一個心目中想達到的『香港版的鬼太郎』、『香港版的百鬼夜行圖鑑』，長遠或有效地發展下去，理論上應用盡各個不同媒介、流行文化的媒體，玩具是其中一個。」Nicky解說。於是二人膽粗粗用Google translate去信日本玩具公司自薦，到開展了漫長的溝通過程，怎料其中一間玩具製作公司「FUSEE」真的有回音。「社長和我們事後說很欣賞我們這個項目，即使當時還沒有很多東西讓他看到，但他可能欣賞畫風、欣賞我們的想法，所以才決定和我們合作。」 「社長認為其實日本人都很喜歡香港文化，很喜歡來香港旅行。他很他想日本的人會拿著這套扭蛋，來到香港旅行跟著這地方去。」最終，產品敲定碟仙、彩龍、水妖、殭屍及狐仙5款角色。扭蛋款在日本上架不久已接近售罄，而盒蛋（盲盒）款亦叫好叫座。「有日本人inbox我們說很欣賞這個項目，也很有興趣想知道我們香港的鬼怪文化，甚至問我們有沒有推出日文版書籍。」 然而，儘管產品在外地獲得好評，豚肉窩貼卻發現香港鬼故開始出現斷層。皆因有一次二人到中文大學進行訪談，談及對於中大著名鬼故「辮子姑娘」時，竟然在場九成學生都表示未曾聽過。Cathy估計，自COVID開始，普遍大學Ocamp停辦，迎新營正是流傳這些民間鬼怪故事的場合，沒有了承傳的載體，記憶自然開始消失，「我們想像的斷（層），和現實差距原來還要大那麼多。」 ｜以鬼故繫住我城記憶 到目前為止，這個項目仍然只有二人一手一腳「砌」，他們曾經在富利來商場設實體店，除了賣貨，也是一個讓讀者「報料」，分享、收集故事的好地方。惟目前實體店亦已結束。不過，也許正是因為看到我城記憶開始斷裂，也驅使二人無論如何也要堅持下去。 Cathy憶起今年書展時候，有位母親走上前對她說，「聽小朋友說話，應該是國際學校生。那位母親說，孩子為了讀懂自己的書，努力學習中文，甚至愛上了寫作」；亦有已移民的父母特意購入他們的書，分享香港的故事予下一代。「希望用這件事，與各散東西的香港人聯繫起來。」Cathy如是說。 在這個離散的年代，鬼怪的意義，也許已遠超過獵奇與趣味。 In ACOO, you can see #ACOOPerson.

小時候看的姆明動畫，故事溫馨，色調柔和，帶著溫暖治癒的氣息。然而，姆明的誕生卻是在戰爭創傷的年代。芬蘭作家 Tove Jansson 在戰爭的陰影下，創造了一個美好的烏托邦，把她對和平的渴望寄托於這個奇幻的世界中。姆明今年80周年，仍然在世界各地保持著高人氣。姆明帶來的溫暖，仍然是我們現今所需要的慰藉。 擁有圓潤身驅的姆明，常被誤以為是河馬，其實真身是北歐傳說中的芬蘭森林精靈。善良勇敢的姆明，與家人和朋友住在芬蘭森林裏的姆明谷裏，到處探索冒險，遇上各種千奇百怪的事件。動畫中的姆明谷是個充滿愛的世界，但在原著中，Jansson卻融入了不少陰暗而嚴肅的成人主題，如孤獨、死亡、恐懼和災害等，這也是受到她自身經歷的影響。 作者Tove Jansson 13歲時就在雜誌上發表詩文和插畫，被視為充滿前途的畫家。然而，芬蘭在1939年至1940年間的冬季戰爭被蘇聯入侵，加上隨之而來的二戰，令無數人喪生、流離失所。面對戰爭帶來的絕望，她認為繪畫變得無意義，於是開始創作童話，來尋求心理上的慰藉。1945年，她發行了首部姆明小說，至1993年間共出版了9部姆明系列小說，作品後來被翻譯成數十種語言，並被日本改編成廣受歡迎的動畫。  姆明故事經常出現災難情節，像在戰爭時期創作的首部作品《姆明與大洪水》，就講述洪水摧毀家園，姆明一家流離失所，並經歷尋親的過程。但這些故事最終都會以光明的結局收尾。Jansson透過創作快樂結局的故事，來逃離當時的恐懼與不安，尋找內心的安慰，「當我感到悲傷，害怕轟炸，並渴望逃離陰鬱的思緒時⋯⋯我會偷偷溜進一個不可思議的世界，那裏一切都自然友好，且一切皆有可能。」  姆明谷是個包容的烏托邦。Jansson 的侄女曾說：「Moomin故事的本質，是對任何人來說都很重要的事——比如愛、寬容、尊重、成為家庭的一部分、歸屬感。無論你來自哪裏，無論你的性別、種族、宗教、性取向如何，這些事情都是一樣的。」姆明家總是對所有來訪者敞開大門，無論是特立獨行的史力奇，還是火爆的呀美，甚至是危險的生物，大家都能感受到無條件的接納。在Jansson的理想世界中，人們無論如何不同，都能夠被接納，正是她所渴望的和平。 故事中，姆明與朋友雖然遇到各種危險，但他們總能以樂觀和勇氣化解困境。姆明的善良勇敢，以及同伴之間平等與包容的友誼，就是Jansson對理想生活的嚮往。她藉由姆明世界創造了一個避風港，讓自己在黑暗時期找到心靈慰藉，也跨越時代地療癒著我們，為我們帶來面對困境的勇氣，以及修復創傷的力量。 文字：林三 @lam.three 設計：Ruby @kcmmman -------------------- In ACOO, you can get refreshed in #ACOOMinute.  

每天滑著Instagram、Facebook，看著朋友在地球另一端的限時動態，我們彷彿與世界很近，卻又總是感到孤單。當離散成為我們這一代人的日常，當「家」這個概念愈發模糊，每個人都彷彿更用力尋找自己的位置。 「當我們派出去的一些宇宙探測的機器，可以去到這麼遠，拍下好幾多光年的星系，但是我們跟自己的心，或者跟其他人的心的距離，為什麼會這麼遠？」這個提問，正是甄拔濤籌備近十年的「後人類旅程」三部曲終章——《宇宙到處的聲音》——希望與大家一同探索的核心。這場橫跨兩百年的太空孤獨遠征，與其說是科幻舞台劇，它可能更像是一封寫給香港人的宇宙獨白，在科技的盡頭，與我們一同重新丈量記憶、家園，以及心與心之間那段最遙遠的距離。 訪問：Heidi @heidi.is.strong  設計：ZH @zzzzzzzih_ ｜「後人類旅程」三部曲最終章 「後人類旅程」三部曲的故事，要從2015年說起。當時甄拔濤正在倫敦修讀編劇，這也是他首次長時間離開香港到國外生活。「可能因為自己也正在一趟『旅程』當中，」他回憶道：「所以我對『旅程』這件事特別感興趣。」加上倫敦的學術氛圍，使他開始深入研究「後人類」這個概念。於是，他將「旅程」與「後人類」兩個想法結合，一口氣構思了整個三部曲的藍圖。 首兩部曲《未來簡史》與《後人類狀況》，雖然帶有魔幻寫實的風格，但故事場景仍在地球或某個星球之上。而來到最終章《宇宙到處的聲音》，則直達那極其廣闊的宇宙維度。故事由一個名為「人類邪惡的總和」的存在展開，他策劃了一個龐大計劃，試圖壓縮宇宙中所有的黑暗物質，豈料引發了宇宙大亂。在這場大災難中，「OO行星」不幸被黑洞吸入，而星球上最善辯的說客——主角T，則在外面尋找救兵之時，與留守家中的妻子失散。T深信黑洞亦有出口，為了尋回妻子與家園，他決心踏上一列需航行兩百年的太空列車，進入黑洞。 我們平時認為宇宙是真空狀態，理應非常寂靜。但甄拔濤卻從物理學中找到靈感：宇宙大爆炸初期，是一個充滿各種聲音的嘈雜世界。這個「聲音」，在劇中有雙重意涵：它既可以是物理上的聲波，更可以是角色內心的聲音——「那可以是一個人的自我反省（self-reflection），也可以是經歷萬千變幻後沉澱下來的思緒與回響。」 要在劇場有限的空間內呈現無邊無際的宇宙，本次演出運用了大量藝術科技（Art Tech）。甄拔濤說，整個創作過程非常依賴不同設計部門的共同協作。「各個設計師施展渾身解數，透過一些Tech（科技）去製造創作，」他解釋道。從動態捕捉到AI生成影像，整個團隊仍在摸索與試驗，目標只有一個：用一方小小的舞台，將那種令人敬畏的宇宙浩瀚感，真實地帶到每位觀眾眼前。 ｜獨白、家園、孤獨與記憶 甄拔濤將《宇宙到處的聲音》形容為「獻給香港的一場宇宙獨白」：「當你在宇宙的時候，你看著無限的空間和星空，你就會發現，你不是向外去尋求，而是應該向自己內心更深的層次去探索。」 劇中兩百年的漂流與尋找家園的情節，很自然地會觸及當下香港社會關於離散與身份認同的集體情緒。對此，甄拔濤提出了一個更根本的問題：「何謂家？」他回溯人類的歷史：在農業出現之前，人類過著狩獵採集、逐水草而居的生活，並無固定的「家」的概念。「這就是說，其實深藏在我們人類的DNA裡，無論是物理、生活還是文化上，都有一部分對於家的想像是可以比較流動的。」 他說，自己並非要否定「尋根」的價值，而是希望提出另一種可能：「我們是不是對家可以有一種更加廣闊的想像呢？」 那主角守護兩百年的記憶，是好事嗎？甄拔濤認為，凡事皆有兩面。守護記憶，可以是前進的動力，但也可以是前行的包袱。這些問題或許沒有標準答案，但每個人都必須尋找最合適自己的解答。 ｜我們與科技的距離 從2015年動筆，到2024年最終章上演，這近十年的創作路，也親眼見證了科技以驚人的速度改變世界。甄拔濤以《後人類狀況》中「遙控空軍」的構想為例，十年前仍是相當誇張的科幻想像，如今在俄烏戰爭，無人機轟炸已成現實。「你想想我們科技去到有多遠？」 回望這段旅程，他對科技與人性的關係沒有絕對的樂觀或悲觀，反而多了一份擔憂。「有一些科技發展的趨勢其實不是太好的，」 他認為，許多科技並非為人類福祉而發明，而是為了殺戮、控制或滿足貪念；且科技並非中立，很多時候被大財團所掌控。「如果真的這些東西都成了形的話，那人類未來坦白說我就真的不樂觀了。」 但他仍抱持一線希望：「但是現在都未去到最差的時候，那我們每一個人可以怎樣做呢？這些都值得我們繼續思考。」 值得留意的是，「後人類旅程」三部曲的精神核心，濃縮在每一部劇的最後一句對白：《未來簡史》以「痛苦就是倫理」作結，《後人類狀況》則留下一句「內疚就是力量」。至於最終章的結語，甄拔濤賣了個關子，僅透露會「同樣饒富趣味」，「三句並置在一起，便總結了《後人類旅程》三部曲的全部。」 註: 本文演出相片為2022年《宇宙到處的聲音》香港試演。   《宇宙到處的聲音》 演出日期： 6/2/2026 (五) 8pm 7/2/2026 (六) 3pm 7/2/2026 (六) 8pm 8/2/2026 (日) 3pm 演出場地：東九文化中心劇場 HKD $380/ $280   購票: https://linkly.link/2Vq9N   In ACOO, you can see #ACOOPerson.  

你希望自己以怎樣的姿態，在這座城市中活著？ 本地樂隊我地希望 @wantamnam 在上一張EP《想是南》中這樣緩緩唱著，「我想這地 能輕鬆 能夢寐，我想生命 能伸展能逃避」。 採訪、攝影：Ines @ines.tsui 設計：Larry @ialyrral_ ｜我想這地 能輕鬆 能夢寐 吉他手逢一回憶自己在三年前曾一度病得嚴重，彷彿進入了人生走馬燈。在不知道什麼時候就會死的狀態下，「到底人生中還有什麼想完成呢？」他在向自己叩問之際，發現答案就是「在香港很認真地夾一隊band」，於是便在病癒後開始全力做這件事，逐漸聚集了幾位團員們。 我地希望這一個樂隊名稱，誕生於一場文字的嬉戲。逢一鍾情於無垠的大海，於是隨手將一片海的名字，投入Google Translate，竟幻化為「我們希望」。無人異議，於是這名字便落地生根，並展開了他們對於城市生活的敘述。在短短三年間，他們已在港台地區舉辦多次專場演出，並登上Clockenflap的舞台。 三年間，他們出產了兩張EP，並即將迎接第一張全長專輯。如此高產量的背後，其實都歸因他們「將認真就放在每一樣東西裡」的意念。 一開始沒人認識，他們就自己找不同樂評人、音樂圈的朋友撰寫文字分享，主動聯絡媒體。許多樂隊夾band可能只會在表演前才會聚起來，但我地希望在籌備專輯的這兩個月來，成員們幾乎每天都見面，甚至比見家人更甚。每次一夾可能便是七到十個小時。比起只關注在「無錢、地方細」這些耳熟能詳的難處，他們更想挑戰一下在這片土地上用力夢寐。無論這片土地變得怎麼樣，貝斯手Kuma篤定「我都可以找到自己想要做的事情、想要的生活模式。」 「我不想做一個埋怨任何東西的人，所以我想用行動實踐」逢一這樣補充道。 論到希望，他們提及到有時間會感覺整個香港的氣氛很低落，尤其做藝術行業的人好像沒有什麼前景，但吉他手Justin表示「但是我們就還是要有希望，要挑戰不跌入沒有希望的狀態。」 他們說最簡單的就是希望這隊樂隊成為一隊全職樂隊。「如果這個地方有700萬人，而我們是極少眾的，有7萬人會喜歡的，我想盡力找到那7萬人。哪怕是百分之一、千分之一，也已經很足夠了。」 ｜作城市的歌者 道著島的故事 我地希望的歌詞從不直白地寫出香港，可字字句句，都在描繪我們在這裡生活的觸感和思緒，帶我們遊走在城市的街角之間。 鼓手Gill分享他們在創作上，也想貫徹生活，達到一種真誠、純粹的存在狀態。第一張EP《木馬》的創作誕生於疫情期間，我們彷彿聽著一名青年在房內獨面著自己的混亂、迷茫與愁緒。《每一天》描繪一種陷入週而復始等候的狀態，「黎明之後等待日落 黃昏之後等待日出」，彷彿看不見出口。又或《黑暗之中》中述說著 「城市的歌者    只能唱懷緬的歌懷舊    你繼續書寫故事    離開的人勉強地笑」 都是一些難以名狀，但卻是我們這一個世代所能共鳴的情感。 第二張EP《想是南》中，那個青年則是在緩緩打開一絲門縫，試圖伸出顫抖的指尖向外連結，在唇齒間抖出心底的希冀。也許在「Somewhere, Someday」，我們都能夠讓這片土地輕鬆夢寐，讓生命伸展逃避。 「我想這地     能輕鬆 能夢寐     我想生命     能伸展能逃避」 而在即將正式發行的新專輯《島》中，我們則坐上一艘小舟，任他們伐槳，帶我們穿梭到城市的不同人面前，聽著他們的故事：陪伴踏入耄耋的《老人》回顧過去，看他的諸多「如果」在思緒中失控縱馳；在夜燈下，跟二三知己《朋友》輕酌，在晚燈下述說著往日與唏噓；又回到《日落電車》上思索著自己存在的意義。 而在最新釋出的單曲《有時候》，是逢一在十六年前的作品。當時僅17、18歲的他，在面對社會的變遷，即將離開香港回到台灣書書及生活，徬徨之際，在香港離島大澳的岸邊寫下這首歌。 在輾轉多年後，當年迷途的學子仍然在問著同一個問題： 「我們的    天空在哪裡」 最後，他們從11月起已展開亞洲巡演，其中包括香港、台灣、泰國、日本、深圳、廣州等地。現誠邀各位在一月終站一同揚帆遊島，體會屬於《島》的故事，尋覓屬於我們的一片天空。 / 香港MOM Live House Release Show  /  周六場 SAT | 周日場 SUN ᴅᴀᴛᴇ  // 2026.01.17-18 （SAT, SUN) ᴛɪᴍᴇ // open 18:30 / start 19:00  ᴠᴇɴᴜᴇ //  MOM Live House, 香港 Hong Kong ᴘʀɪᴄᴇ // $380 adv. / $450 walk-in  票務請洽 @wantamnam In ACOO,

【你會否對陌生人的故事感到好奇？】 耳機播着陌生人的錄音，指示你在劇場行動。當你打開那潘朵拉的盒子，你會看見、聽見和感受催人淚下的災難片段，或是平平無奇的生活日常

幽默的力量，可能比你想像的強大。美國文壇巨匠馬克吐溫說：「面對笑聲的攻擊，沒有任何東西能夠抵擋。」他認為笑聲是人類最強大的武器，遠勝過權力、金錢、說服、懇求或迫害；唯有笑聲，才能在一瞬間將巨大的謊言徹底擊碎。馬克吐溫以幽默的風格及尖銳的社會批判聞名，被視為開創美國文學的先驅，代表作包括兒童文學經典《湯姆歷險記》、《頑童歷險記》等。作為幽默大師，他的幽默並不單純為了搞笑，而是作為一種手法，批判社會各種不公與虛偽。 馬克吐溫的幽默來自他豐富的閱歷。他早年因父親過世而輟學，做過印刷廠學徒，也做過密西西比河的領航員（馬克吐溫這個筆名也是來自水手術語）。隨著美國南北戰爭爆發，河運中斷，他失去領航員的工作，前往西部嘗試淘金。這些穿州過省的經歷，成為他日後寫故事的素材。他最終在報館找到記者工作，並開始使用「馬克吐溫」這個筆名發表文章。他創作的幽默短篇故事在報紙上刊登後聲名大噪，成為廣受歡迎的作家和演講家。不過，他晚年因為投資失敗，加上妻子和子女相斷去世，打擊極大，陷入低潮。 人們說馬克吐溫開創了美國文學，以美式口語化的語言風格，突破了當時歐洲文學的傳統；作品中那些自由、冒險、反叛的主題，亦展現了典型的美國精神。他的作品反映了當時美國的社會現況：《頑童歷險記》被譽為最偉大的美國小說之一，通過主角與黑奴的冒險旅程，批判當時美國的奴隸制和種族歧視；在《金光閃閃的時代》中，則諷刺當時美國社會外表光鮮，實則腐敗動盪；《乞丐王子》通過王子和乞丐交換身份的情節，揭示當時社會的階級差異懸殊和對弱勢的歧視。小說以外，馬克吐溫也是活躍的社會評論家，以諷刺的口吻批判政治人物或社會現象，例如他曾諷刺當時的美國國會議員：「假設你是個白痴，再假設你是國會議員⋯⋯但我重複了」，表達對他們的強烈不滿。  馬克吐溫透過他的文字，展示了幽默的力量，讓人在笑聲中反思，揭破虛偽的假象。幽默大師提醒我們，即使面對看似無法撼動的困境，人類仍有幽默作為最強大的武器，讓我們能夠洞察真實，以清醒的眼光看待世界。 文字：林三 @lam.three 設計：ZH @zzzzzzzih_ ——————— In ACOO, you can get refreshed in #ACOOMinute.   #馬克吐溫 #湯姆歷險記 #頑童歷險記 #幽默大師

迪士尼的魔力，不僅吸引了來自全球不同世代的小朋友，即使是大人也為之著迷。迪士尼象徵著的，是一個美好的世界，給人夢想可以成真的嚮往，讓大人也能夠暫時做個小孩，尋回久違的童真。創辦人華特迪士尼創造了讓夢想成真的世界，而他本人的故事，也是一個夢想成真的勵志故事。 「一切都是由一隻老鼠開始。」華特迪士尼從小就對畫畫有濃厚興趣，7歲就將自己的素描作品賣給鄰居，亦常在校報投稿。一戰尾聲，16歲的他加入紅十字會，在法國擔任救護車司機，常常在救護車的篷布上畫卡通。回到美國後，他在一間廣告公司任職插畫師，但很快就遭到裁員。他找來公司前同事合夥創業接廣告，但經營不足一個月，就因生意不足而結業，轉到另一間廣告公司工作，參與製作動畫廣告。他預見到動畫未來的發展潛力，把握機會學習動畫電影技術，隨後再次創業，成立工作室製作了《Laugh-O-Grams》系列動畫短片。雖然反應不錯，但卻因為財務管理困難，創業再次失敗。 這些波折都沒有令華特迪士尼放棄他的動畫夢。22歲那年，他帶著僅餘的40元美金，和尚未完成的動畫《愛麗絲夢遊仙境》勇闖荷里活，借用伯父的車庫，與哥哥成立工作室，獲得發行商的青睞，簽下合約並訂購了《愛麗絲》系列短片。後來推出的《幸運兔奧斯華》亦反應不錯，但這個角色的版權卻被發行商奪走。受到沉重打擊的華特迪士尼，在回程的火車上忽發奇想，想起以往在工作室餵過的老鼠，於是創作出了一個以老鼠為原型的卡通形象，那就是米奇老鼠，日後亦成為了迪士尼的象徵。 隨著米奇系列動畫大獲成功，華特迪士尼接連推出更多動畫作品，更在1937年推出美國史上第一部長篇動畫電影《白雪公主》。這個大膽的嘗試不被看好，成本嚴重超乎預算，甚至被媒體稱此舉為「迪士尼的愚蠢」。結果證明他的眼光是對的，電影大受歡迎，成為影史上最具影響力的動畫電影之一。 「當你充滿好奇心時，你會發現許多有趣的事情可以做。」華特迪士尼大膽創新的個性，讓他創下無數紀錄，包括第一套有聲動畫、第一部長篇動畫、第一部彩色動畫等等。帶著好奇心去看世界，你會發現原來還有很多可能。華特迪士尼帶給我們的，就是相信夢想可以成真的信念。 文字：林三 @lam.three 設計：PO @p12_o28  -------------------- In ACOO, you can get refreshed in #ACOOMinute.

香氣，是最難以捕捉，但也最容易喚起記憶的存在。它能穿越時空，帶我們回到某個特定時刻；也能跨越藩籬，連結彼此的呼吸與情感。 在關懷愛滋 @aids_concern 與 Wyndham Social @wyndham_social 共同呈獻的《縈迴》展覽中，本地香氛藝術組合Slash & Parallel @slash.and.parallel 與15位HIV感染者及同行者共同創作，用香氣打開一扇扇生命之窗。展覽以香水的層次結構——前調、中調到基調——帶領觀眾走入每個故事，探索關懷如何能像香氣般，無聲地溶解偏見與恐懼。 ｜前調：十五個生命的邀請 步入展場，15款由本地香氛藝術組合 Slash & Parallel 與HIV感染者及同行者共同創作的室內香氛迎面而來。每一縷香氣都承載著一個獨特故事，卻又在空間中交織成集體的呼吸。 ▸作品：木語；氣味：Elysium——在破碎中尋找希望 30多歲的Bagel在作品中藏著自己的第一張覆診紙：「木，記得一切——時間、傷口與呼吸。覆診紙被收藏在年輪之中，那是身體與記憶的印記，也是重生的起點。」在沉靜的氣味裡，連痛楚都化為一種溫柔的存在，提醒著：即使破碎，生命仍在生長。 ▸作品：孵化；氣味：星點光希——走出黑暗的螢火蟲之光 「感覺過去的自己因為抑鬱，就像似人走進了森林，天色漸暗，看不見方向。」V說。但在最深的黑暗中，親友、社工、醫生的支持，化作點點星光。「那一點一點的螢光就像溫柔的希望，給了我生存下去的力量，也讓我更為強大。」每一縷香氣，都像當年那些給予他勇氣的螢火蟲，細小卻明亮。 ▸作品：秋去秋來；氣味：福氣——照顧者的秋天 「HIV感染從一開始就如同陰霾，籠罩住整個家庭。」Amber說。作為感染者女兒、父母的唯一依靠，她在照顧中看見生命的循環：「春夏秋冬，我想我的人生已進入秋天的階段。有時我會力不從心，會覺得自己的心情好像枯葉、枯枝。」但就像秋天的氣味，溫馨又溫暖，她仍在尋找生活中的色彩：「我希望生活除了工作、照顧家人以外，有多少少色彩，俾自己休息一下，才能繼續前進。」 ｜中調：對話與記憶的迴響 展覽中段呈現三件回應作品：詩人兼醫生律銘的散文詩《晚餐》，以茶香探索照護的節奏；楊沛鏗的《曾經遇見但已被遺忘的情人們》，透過酒店肥皂訴說親密與遺忘；每一件作品都在探問：關懷如何在日常生活中留下痕跡？ ｜基調：集體的承諾 展覽以Sharu Binnong Sikdar的《石漣》作結，邀請觀眾在鵝卵石上書寫，繫於紅色漸層繩上。這件公共協作作品呼應當代HIV照護的核心理念：「測不到=傳不到」（U=U）。每顆石頭的重量，都在提醒我們語言和關懷的分量。 正如策展人黃嘉瀛 @hedoesntgiveashit 所言：「《縈迴》不是終點，而是接力。」展覽期望HIV感染者的堅韌精神能如香氣般散播到社群，挑戰偏見、點燃互相關懷，「如同空氣中的留香，默默與眾人同呼同吸。」 展覽資訊： 日期：2025.11.28-12.7 地點：Wyndham Social（中環雲咸街33號地下） 時間：每天11:00-21:00 免費入場 ——————— In ACOO, you can discover a dynamic lifestyle in #ACOOPick.

在城市的快速節奏中，我們的感知彷彿被調校成自動駕駛——匆忙地在街道間穿梭，習慣性地滑著手機，目光在無數螢幕間跳躍。今年參與 deTour 設計節的其中三組海外創作者，他們帶來的不只是展品，而是一場重新喚醒感官的實驗。 ｜光影之間：在消逝中尋找永恆｜Encor Studio 走進瑞士團隊 Encor Studio 的《ALCOVE IN SITU》，你會發現自己置身於一個緩慢變化的光之容器。在這裡，玻璃表面忽明忽暗，光線被電致變色薄膜（electrochromic film）過濾，創造出一種介於存在與消失之間的狀態。 「香港的快速節奏，促使我們將裝置設計得更加極簡與空靈——作為對城市密度的平衡。」來自瑞士的四人團隊Mirko Eremita、David Houncheringer、Manuel Oberholzer和Valerio Spoletini解釋。他們來自聲音、建築、程式編寫與視覺藝術等不同領域，但同樣著迷於如何透過極簡而精準的介入，重新塑造空間感知。在這個流動的光影空間裡，聲音是細微而沉浸的，「非敘事性，而是如建築呼吸般的氛圍。」他們透露，有訪客形容在裝置的體驗像是時間被延緩，空間變得流動，感知也趨向柔和。有人想起了童年時望向窗外的時刻，有人憶起了潛入水中的感覺。 「在一個幾乎不曾停歇的地方，提供得以片刻靜止思考的空間或許別具意義。」Encor Studio 團隊說，「對香港觀眾而言，這種減法體驗或許可以成為暫停點——一個再重新投入城市洪流之前，與自我重新連結的機會。無需任何準備，只需在場，讓自己慢下來，感受光線在皮膚上的流轉、聲音如何將你包裹、你的回憶如何重現與消失。」 ｜視覺的聲音：當平面設計變成樂器｜坂本俊太 設計師坂本俊太的《Instrument.Play.Graphics - Modular Graphic Synthesizer -》顛覆了人們對平面設計的想像。在這個裝置前，設計不再是單向的視覺呈現，而是一件可以用雙手「演奏」的視聽樂器。觀眾可以透過觸摸、連接、移動按鈕等互動方式，即興地改變聲音和螢幕上影像。「不需要任何專業知識，」他強調，「就像在玩耍一樣，讓身體和感官引導你。」 「作品起源於讓平面設計變成玩具的想法。」坂本俊太說。作為一位創意總監與藝術指導，他最初專注於平面設計，但逐漸發現自己渴望創造更多可能性：「當我思考想要創造的體驗時，發現自己自然而然地跨越了不同創作領域。」 「日本也是一個節奏很快的地方，」坂本俊太說，「所以我希望人們能在與裝置的互動過程中，感受到『玩』的樂趣，即使只有短短幾分鐘。玩耍是與眼前的事物建立愉悅的連結，並享受過程。如果這短暫的體驗能為他們繁忙的日常放鬆片刻，我會感到很開心。」 ｜棋盤上的城市對話｜GROOVIDO 設計雙人組 GROOVIDO 的創作媒材看似最不起眼——就是隨處可見的磚塊。但設計師 Gianmaria Della Ratta 與 Giorgio Gasco 將這些建材重新演繹，創造出融合中國傳統棋盤家具《A Battle of Beasts》。 「建材產業正面臨深刻轉型，新型材料正在取代傳統磚塊。」二人解釋，「我們實驗了一種能將數位影像印刷於磚面的新技術，希望為這項創新技術找到合適的應用場景。」他們選擇了鬥獸棋與象棋作為靈感，「因為一個簡單的遊戲竟能承載數百年，並成為文化認同與集體記憶。」 作品保留了對弈的規則，但從視覺上進行了創新演繹。「我們為兩種棋設計了共通的色彩系統，在紋理與圖案上做出區別，同時融入傳統棋盤的紅色網格。」不只是遊戲空間，更像是一個公共裝置，「我們夢想它最終能落腳在某個公園裡，既是地標，也是讓人停下來對話的契機。」 「就像鬥獸棋教導我們的：並非體型最大的就是最強者。遊戲的本質不在輸贏，而在於透過好奇心與共同體驗建立連結。」「作為設計師，我們總是在尋找視覺刺激與美學可能，並嘗試將其連結至新的材料實驗。這種重新想像周遭事物的精神，正是我們希望香港觀眾能在街上看到普通的磚塊時，想起：原來日常之物蘊含著無限可能。」兩位設計師分享。 三組創作者以光影、聲音與遊戲回應同一個命題：在這個感官過載的時代，我們如何重新建立與自己、與他人、與空間的連結？或許答案就在放慢腳步的當下，在光影流轉的剎那，在即興演奏的歡愉，在棋盤前對弈的片刻。 【deTour 2025 設計節】 The Shape of Yearning 想望之器 日期：即日起至12月7日 時間：11:00-20:00 地點：PMQ元創方（香港中環鴨巴甸街 35 號） 票價：免費入場   ——————— In ACOO, you can discover a dynamic lifestyle in #ACOOPick.   #設計節

一年一度的 Clockenflap 將至，今年的line-up同樣讓人驚喜，從經典殿堂級樂隊到新世代創作人目不暇接。 音樂世界如此的大，除了叫你耳熟能詳的本地表演單位外，沒理由錯過其他精彩表演單位！ACOO也特別挑出六組值得「用身體感受聽現場」的單位，為大家在音樂節開始前做做功課，率先介紹他們的音樂創作歷程及故事。讀畢此文，做足準備，今個禮拜五六日，出發！ 文字：Shena Yu @shenvyvy 設計：ZH @zzzzzzzih_ ｜My Bloody Valentine｜ 來自都柏林的MBV是shoegaze這門聲音語法的奠基者。 極端的執著貫穿MBV的創作，結他訊號在空氣中雕刻出獨有的聲音物理學：似霧非霧、似噪音卻又精密得近乎偏執。1991年錄製《Loveless》時，樂隊輾轉十九間錄音室，皆因樂隊主腦Kevin Shields堅持「有啲唔啱聽就要重錄」。唱片公司則苦笑表示，再錄下去公司就要破產。 Kevin標誌性技術glide guitar源自一次無心插柳，他在試驗中輕撥tremolo arm，音色彷彿在搖晃的邊界中融化，形成介於崩塌與凝固之間的張力。而Belinda無塵的人聲彷彿游離在音牆表層，以游移而曖昧的歌詞製造感官膨脹。 他們亦曾長期拒絕加入串流平台，只因壓縮格式會折損音牆最精微的紋理，現場的「無損體驗」也因此格外珍貴。 ｜Godspeed You! Black Emperor｜ GY!BE是後搖滾裡最具敘事性的另類存在，單曲動輒超過二十分鐘，完整專輯則是一個半鐘的長鏡頭史詩。現場搶眼的視覺媒介不是燈光，而是導演Karl Lemieux手動投影的16mm菲林：燒灼、刮痕、光漏、過曝街景與廢墟影像與音樂同步推進，構成另一條敘事軸線。 樂團聲音風格與其誕生地密不可分。1990年代，創始人Efrim Menuck等人在蒙特利爾是廢棄空間排演，廢墟質滲入曲風，難怪使聽者聯想到《極樂迪斯科》中陰鬱且懷舊的虛構城市瑞瓦肖。貫徹安娜其式的創作理念，2002年專輯《Yanqui U.X.O.》乾脆在封面直接點名唱片公司與軍工企業的資本鏈條；翌年巡演，眾人疑似攜帶大量器材在美國被誤認為「極端分子」短暫扣留。 GY!BE選擇與主流工業保持距離，抵抗與詩性從音樂跨界現實。2024年發行專輯《No Title As Of 13 February 2024, 28,340 Dead》，團隊聲明指出，「No Title」追問的是：在小小身體一個個墜落時，還有什麼姿態與旋律是合理的？「28,340」則是錄音完成當日罹難的巴勒斯坦人數。音樂反覆播放之際，現實裡的死亡數字仍在攀升，令這張專輯成為一部被現實不斷加註的哀歌。 ｜Vaundy｜ 生於2000年的Vaundy，是Z世代最具象徵性的複合型J-Pop創作者；音樂、影像、動畫美學與都市感在他身上不是跨界，而是天生連貫的一體。 他的創作起點像少年漫畫的第一章。國中開始嘗試獨立創作，反覆思考「為什麼活著、為什麼出生」，在YouTube上首次發表的原創曲〈pain〉，旋律明亮，卻訴出一個世代所承受的陰影。而同年爆紅MV〈Tokyo Flash〉原本只是19歲時的功課，夜遊東京的步伐踩準電子city pop 氛圍，獲破億播放。其後，他延續「一人製作委員會」的創作模式，而2021年的〈踊り子〉早已全面滲透社交媒體與咖啡館 playlist，成為你聽過無數次卻未必叫得出歌名的那首歌。 Vaundy將於 2026 年成為日本史上最年輕踏入四大巨蛋巡演的男性solo歌手。首次空降香港在踏入巨蛋之前，香港將率先迎來最原生現場。 ｜Marcin｜ 同樣25歲的Marcin被稱為「把木結他他玩成整個樂團」的Z世代結他怪才。 木結他在他手上能以電子音樂的質感屢出爆點段落，古典樂〈Moonlight Sonata〉被改編得像決戰Boss曲，混雜古典、金屬、佛朗明哥，但聽起來更像遊戲戰鬥場景與電子派對的融合。 他15 歲贏得波蘭版Must Be the Music，真正走進全球視野則是在 2018 年起的短影音時代——將指彈、percussive guitar、受啟自Flamenco的高速掃弦攻勢組成一套「混種打法」，令網友猜測他背後藏了一支樂隊，甚至討論他本人是否是AI偽裝的虛擬歌手。「I’m not fake」也成為他多次開騷前的玩笑話。 這次來到香港，他會怎麼把木結他變成Boss fight？ ｜林宥嘉｜ 林宥嘉是華語流行音樂中少見以情緒質地而非曲風被辨識的歌手。雖然他主要屬於Mandopop，但聲音卻能穿梭於soft rock、jazz、pop到另類搖滾，像一種自由變形的介質。因為具有將呼吸變慢的安定聲線，他曾被粉絲稱為「胎教歌王」、「迷幻王子」。 林宥嘉真正被華語世界記住，要從2007年《超級星光大道》第一季說起。在唱情歌的風潮中，他以Radiohead的〈Creep〉在決賽演拿下滿分，隔年又憑《說謊》走紅。他的音樂主題沒有停在分手歌敘事，而是不斷解構愛的語法，反射出自我懷疑、城市焦慮、親密關係的距離感。細膩而不濫情的情緒書寫，恰好對應疫情後東亞城市普遍出現的心理壓力與疏離感。 ｜L’Impératrice ｜ L’Impératrice（皇后）這個名字聽起來像奢侈品，其實背後是一班略帶nerd氣質的樂手。他們把Disco Funk調成一杯精緻雞尾酒，編曲一絲不苟，被樂評形容為近乎工匠精神。 合成器不是砌成厚牆，而是層層打開空間：一條勾住旋律，一條吐出細碎電子氣泡，再用長音拉出縱深。2015 年加入的主唱Flore Benguigui更被評為「人形合成器」，聲線如透明鐳射光在節奏之間滑過。 首次來港開騷，L’Impératrice將展開一套冬季限定的太空groove：亮面、流動、讓人不自覺隨節奏偏移半步。 這六組未必都是你playlist上重播最多的名字，卻很可能成為你日後回想「2025 年現場聽過啲乜」時，腦海第一個浮現的。 今個週末，我們Clockenflap見！ ——————— In ACOO,

在這個充滿挑戰的時刻，藝術或許能為我們的心靈帶來一絲慰藉。本月香港各個文化場所推出多個展覽與活動，邀請大家在藝文之中尋找片刻寧靜。 #展覽 【西西的房間盒子：從縫熊開始】 香港首個作家故居空間「西西空間」即將開放！展覽重現西西在土瓜灣的故居客廳，並展出她親手縫製的毛熊作品。走進這個「房間盒子」，你可以近距離感受這位文壇巨匠的生活空間，探索她如何以童心「格物」，在文字與手作中展現獨特的文化關懷。 日期：即日 至2026年1月31日 時間：中午12時至晚上8時（逢星期一、二休息） 地點：灣仔軒尼斯道365號富德樓7字樓「西西空間」 費用：免費入場（須預先在art-mate登記） 【牛仔精選：傳承與藝術的融合】 香港知專設計學院舉辦的「牛仔精選」系列活動，將在海港城海威商場展開。其中「牛仔精選：傳承與藝術的融合」展覽，探索牛仔布從19世紀工作服演變為全球文化符號的歷程。展覽匯集本地收藏家珍貴藏品，並邀請香港藝術家歐樹傑、林偉強及哥倫比亞藝術家Juan Manuel Gómez，透過創新視角，展現這種平凡布料蘊含的深厚文化底蘊，見證工藝傳承與當代藝術的對話。 日期：即日 至12月11日 時間：上午10時至晚上10時 地點：海港城港威商場大堂I 【藝滿芳庭：當代視角中的傳統園林】 香港故宮文化博物館首個戶外公共藝術展覽「藝滿芳庭」即將開幕！六位本地藝術家和建築師將中國傳統園林藝術重新演繹，以竹、金屬、布料等媒材，結合光影與動態結構，打造一座富有詩意的當代藝術園林。特設互動裝置，邀請觀眾漫步其中，親身感受藝術與環境的共生。 日期：即日 至2026年11月2日 地點：香港故宮文化博物館廣場 費用：免費，無需預約 【古埃及文明大展：穿越5000年的文明瑰寶】 香港故宮文化博物館呈獻香港歷來規模最大的古埃及文物展，展出250件來自七間埃及重要博物館的珍品。展品包括圖坦卡門時期的巨像、精美的黃金飾品，以及薩卡拉出土的神秘貓木乃伊。特別設置多媒體裝置，讓你近距離體驗金字塔內部結構，感受這個神秘文明的魅力。 日期：即日 至2026年8月31日 時間：週一、三、四、日 10:00-18:00；週五、六及公眾假期 10:00-20:00（週二休館） 地點：香港故宮文化博物館展廳9 【趙無極：版藝匠心】 M+即將呈獻法籍華裔藝術家趙無極的版畫藝術專題展。展覽探索這位跨文化藝術家自1949年抵達巴黎後的版畫創作歷程，展現其在蝕刻版畫和石版畫等媒介中的獨特美學演變。透過其精湛的版畫作品，我們得以一窺這位大師如何以抽象語言，在戰後歐洲、亞洲和美國藝術界開創跨文化的對話。 日期：2025年12月13日起 地點：M+ G層地下大堂展廳 費用：需持門票入場 【易經：鮑皓昕攝影藝術】 大館最新文化遺產專題展覽邀請攝影家鮑皓昕，透過《中國牆城》和《觀靜錄》兩組攝影系列，探索《易經》這部中華文化瑰寶的當代意義。展覽以沉浸式裝置呈現壯闊自然景致，並透過六十四根立柱構建的空間設計，引領觀眾走進靜思的境界，思考古代智慧如何啟迪現代生活。 日期：即日 至2026年2月20日 時間：上午11時至晚上7時 地點：大館01座警察總部大樓LG1及LG2樓複式展室 費用：免費 #媒體藝術 【FutureScope：360度沉浸式藝術新體驗】 香港首個大型半球體藝術空間「FutureScope」即將在啟德體育園揭幕！這個直徑12米的穹頂空間將以360度投影聲效技術，呈獻三場跨界藝術體驗。由香港媒體藝術家張瀚謙策劃，聯同日本藝術家真鍋大度、圖瓦歌手珊蔻‧娜赤婭克等國際藝術家，以創新科技演繹東方美學，打造前所未有的沉浸式視聽盛宴。 日期：2025年12月19日至2026年4月 地點：啟德體育園「緣緣堂」（啟德主場館B閘對開） 費用：展覽免費入場，演出門票詳情將另行公布 IG：@futurescope.dome #電影藝術 【前衛正！遙觀此地】 M+舉辦為期一天的前衛藝術活動，透過四位國際藝術家的作品，探索「家」與「空間」的概念。精選節目包括林立施的虛擬實境作品《幽靈宴會》，探討海外華人的文化身份；越南藝術家張明貴的《樹房子》，思考流離失所與祖先記憶；以及韓國攝影師盧純澤的現場展演，剖析朝鮮半島分裂的歷史創傷。 日期：2025年12月6日 時間：上午11時至下午6時 地點：M+ 1院及流動影像中心 票價：$120（正價）/ $96（特惠） 活動以英語及韓語進行 #表演藝術 【西九夜延場：新一季跨界藝術夜宴】 西九演藝再度推出「西九夜延場」Cabaret（卡巴萊）節目，於戲曲中心茶館劇場呈獻多位跨界表演者的原創作品。全新一季匯聚許晉邦的棟篤笑、張雅麗的音樂會版《跣》2.0，以及胡子彤、張蔓莎、陳苡臻首度挑戰音樂劇場，讓觀眾在近距離感受各種文化與情感的碰撞。 日期：2025年11月至2026年1月（每月精選2-4個平日晚上） 時間：晚上8時30分 地點：戲曲中心茶館劇場 票價：$300-$600（包含一杯飲品） ——————— In ACOO, you can discover a dynamic lifestyle in #ACOOPick.

有人說窗戶會講故事，你聽過嗎？ 有人說地盤的聲音很動聽，你相信嗎？ 有人說陶泥有脾氣，你摸過嗎？ 在PMQ元創方，一場前所未有的感官實驗正在展開：窗戶不再只是透光的框架，它們化身為城市記憶的播放器；街道的聲響不再是雜音，而是等待被發掘的樂章；陶泥不再沉默，每一種都有自己動人的個性。不同創作單位，將這座建築變成一個充滿驚喜的遊樂場，邀請大家一同探索設計無限可能。 ｜都市脈動：光譜之窗｜moon.noon（孔凡亮） 「通常窗都是一個很功能性的產品，可能你上班只是透過窗看到日頭夜晚，但慢慢地好像不記得它除了一個很physical的功能之外，還有很多不同的意義。」設計師moon.noon（孔凡亮）說道。 這是一個結合窗戶、光影與互動技術的裝置作品。觀眾的動作能觸發不同的光影變化，創造獨特的視覺體驗。在孔凡亮的作品中，每扇窗都有自己的個性：「例如西式的教堂裏面的玫瑰窗，它的位置通常是仰視的角度，好像人藉著窗而去仰望外面；海棠花窗是為私隱而設計，藉著窗的花紋和外界隔絕。」他巧妙地以圓形和六角形設計裝置，融合了東西方元素：「圓形窗在西方的建築上通常使用於頂樓，而六角形窗在東方來說代表著六合，亦是萬花筒最好的反光角度。」 「其實有很多東西是在這個城市裏面每日所見，但被忽略的。我反而是透過在找尋這些窗的途中，探索這個城市的不同面貌。」孔凡亮期待觀眾「與這件作品互動之後，可以在日常生活，欣賞這些習以為常卻富含許多設計心思的元素。」 ｜共鳴．共明｜梅卓男、林建霖 這是一個融合聲音與光影的互動裝置作品，由一座混音器塔串連三個以光影來控制的聲音裝置，建立一個動態的網絡。特製的混音器由多組感光元件組成，作為音量調節的核心，場地的光影與觀眾和裝置的互動能影響聲音的強弱。可多人同時操作，成為共同創作與探索的空間。 「我和阿梅（梅卓男)來自不同的背景，設計師和音樂家。」林建霖說。梅卓男和林建霖這對跨界組合用一座特製的混音器挑戰我們對聲音的想像。「我們的理念是希望大家可以多些聆聽，或者觀察身邊的東西，也希望大家放開對聲音固有的想法。例如：地盤的那些咚咚聲是不是真的很難聽呢？有時候可能不是。」 他們邀請觀眾「嘗試和它（裝置）合作，又或者利用那些聲音去做一首歌，做一段聲音，用它自由發揮創作，碰撞靈感。」在這個快節奏的城市裡，他們提醒大家：「我們希望盡全力地發出聲音，但也盡全力地彼此聆聽。」 ｜([[o]]) Bells｜鄧芷蔚 這是一個探索陶泥與聲音關係的互動裝置，邀請觀眾發現不同陶泥的獨特聲音。 「我在創作過程中將陶瓷擬人化。因為我接觸不同泥的時候，好像也認識了他們每一個獨特的性格。」在鄧芷蔚的作品中，每種陶泥做出來的鈴都有自己的聲音：「例如白瓷的密度是最高，（敲擊）它的聲音比較尖和清脆，至於較粗糙的泥，燒出來的鈴聲音會較通透。」她在創作過程中也為不同的陶泥賦予了性格：「我覺得細膩的瓷泥好像有公主病，粗沙泥好像一個狂野的大叔，所以在製成鈴形狀上，我會以不同形狀呈現他們的性格。」 與其說這是單純的聲音裝置，更像是一次關於聆聽的練習：「我們生活周遭有很多聲音，或許太過習慣，所以經常被忽略。其實日常生活圍繞著的聲音，都可以成為我們內心的對話。」 【deTour 2025 設計節】 The Shape of Yearning 想望之器 日期：即日起至12月7日 時間：11:00-20:00 地點：PMQ元創方（香港中環鴨巴甸街 35 號） 免費入場 ——————— In ACOO, you can discover a dynamic lifestyle in #ACOOPick.   #設計節 #PMQ元創方 #互動裝置 #聲音藝術 #deTour2025 #deTourhk